16.3: Antropologia da Música
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Música
A música é encontrada em ambientes e formatos variados, incluindo cantos, musicais, apresentações ao vivo, apresentações gravadas e rituais espirituais. Nos tempos pré-históricos, a música era usada para se comunicar, contar histórias de pessoas e expressar elementos importantes das culturas. A música articula a experiência humana, focando no que as pessoas querem lembrar sobre sua história e o que desejam para o futuro. Tem sido usado para curar, demonstrar poder e arquivar as experiências das pessoas. A música atual é uma extensão e uma evolução da música que veio antes. É um meio que representa as profundezas do tempo, da cultura e da história. Instrumentos musicais pré-históricos, chamados de artefatos musicais em antropologia, incluem instrumentos de sopro e percussão de antigas tribos nômades. Esses instrumentos começaram como artefatos musicais rudimentares e evoluíram para equipamentos tecnológicos mais sofisticados, inventados e formados com o propósito exclusivo de criar música.
Etnomusicologia
Alguém que estuda música de uma perspectiva global, como prática social e por meio de trabalho de campo etnográfico é chamado de etnomusicólogo. A Society for Ethnomusicology define etnomusicologia como “o estudo da música em seus contextos sociais e culturais” (n.d.). A etnomusicologia é complexa, exigindo o trabalho de muitas disciplinas científicas. Requer o estudo de muitas áreas geográficas, com foco na prática social da música e na experiência humana. A etnomusicologia é interdisciplinar, com uma estreita relação com a antropologia cultural. Às vezes, é descrito como uma abordagem de pesquisa histórica para entender as culturas das pessoas por meio de sua música. Uma conhecida etnomusicóloga foi Frances Densmore, que se concentrou no estudo da música e da cultura dos nativos americanos.
Instrumentos musicais na pré-história
O campo da etnomusicologia se concentra em todos os aspectos da música, incluindo seu gênero, sua mensagem, o (s) artista (s) que a criaram e os instrumentos que usaram para fazer isso. Você já considerou por que um determinado instrumento musical foi criado? Quem fez isso? Por que eles fizeram isso? O que eles queriam que isso fizesse? Como foi usado? Como eles inventaram o design? Emily Brown (2005), ex-membro do Serviço Nacional de Parques dos EUA, estudou o desenvolvimento de instrumentos musicais em sítios ancestrais de Puebloan. Seu estudo trouxe informações sobre os tipos de instrumentos criados. Isso incluía flautas de percussão e sopro que eram usadas para criar música culturalmente centrada no povo puebloano. Seu estudo também trouxe uma grande visão sobre a hierarquia estrutural das pessoas encarregadas de fabricar instrumentos musicais. Não muito diferente dos atuais estágios comerciais e programas de mestrado encontrados na construção, o povo ancestral puebloan estabeleceu um sistema de transmissão das técnicas de construção fundamentais para a criação de instrumentos musicais, garantindo que o conhecimento fosse transmitido pelas gerações futuras. O estudo de Brown conectou instrumentos musicais à política, música, status social e experiências sociais.
A estrutura e a função da música em diferentes sociedades
A música está fundamentada na experiência humana. É uma expressão teatral dos pensamentos e percepções de seu criador. A estrutura da música evoluiu junto com as experiências dos humanos que a criaram. Exemplos disso podem ser encontrados nos hinos do início de 1800 das tribos Choctaw. Esses hinos fornecem uma expressão artística de experiências traumáticas, referindo-se a uma época em que o povo Choctaw foi removido de suas terras natais e transferido para terras de reserva pelo governo dos EUA. Eles falam de experiências individuais e coletivas à medida que esses povos faziam a árdua jornada até seus novos locais. As músicas falam sobre promessas não cumpridas, a jornada e o destino de seu povo.
Para pessoas escravizadas, a música era um mecanismo de fuga emocional de situações difíceis, bem como um meio de comunicação com aqueles que falavam idiomas diferentes durante a Passagem Média, a viagem da África para locais de trabalho forçado. Um dos espirituais mais icônicos, ou canções de sobrevivência, é “Go Down Moses”. Harriet Tubman, a lendária condutora da Underground Railroad, disse que usou esse espiritual como uma forma de sinalizar para aqueles que estavam escravizados na área que ela queria ajudar a escapar para a liberdade (Bradford [1886] 1995). A música fala ostensivamente sobre a experiência dos israelitas escravizados pelos egípcios nos tempos antigos. Para negros escravizados na América, a música falava diretamente sobre seu próprio desejo de liberdade. O refrão de “Go Down Moses” é o seguinte:
Desça, Moisés,
desça na terra do Egito.
Diga ao velho faraó,
deixe meu povo ir.
Assim diz o Senhor: O ousado Moisés disse:
Deixa ir o meu povo.
Se não, eu ferirei o teu primogênito morto,
Deixa ir o meu povo.
Ouça essa música no site da Biblioteca do Congresso.
Numerosas populações têm utilizado a música como meio de resistência. Durante o movimento pelos direitos civis do século XX, artistas negros como Nina Simone, Aretha Franklin e Sam Cooke usaram sua música como uma forma de desafiar a desigualdade estrutural. Aretha Franklin, cantora, compositora e pianista negra, escreveu e executou músicas ancoradas na igreja negra que passaram a representar a cultura negra americana. Ela alcançou fama nacional e internacional por sua voz rica e performances sinceras, e ela foi capaz de usar seus talentos artísticos para levar uma mensagem de esperança e resistência ao público. Suas músicas falavam sobre onde as pessoas estavam e onde elas queriam estar.
Sam Cooke foi um cantor americano que recebeu o apelido de “Rei do Soul” por seus fãs e membros da indústria musical. Como muitos, ele começou cantando na igreja, mas eventualmente sua música e paixão evoluíram para a música secular. Ele é creditado por ter uma influência significativa no movimento pelos direitos civis, e sua música frequentemente explorava temas de opressão e luta por uma causa. A música de sua primeira banda, Soul Stirrers, se concentrou em estimular a alma do ouvinte a se engajar no movimento pela igualdade racial.
Talvez nenhum artista nos últimos tempos seja mais conhecido por usar a música como catalisador da mudança social do que Bob Dylan. Dylan foi um artista musical da década de 1960 que falou para muitas culturas e gerações sobre a injustiça e a necessidade de inclusão e mudança. Sua canção de 1964, “The Times They Are A-changin'”, exortou políticos e eleitores a apoiarem o movimento pelos direitos civis. Ele também era conhecido por sua oposição à Guerra do Vietnã. Sua música pode ter mudado muito bem o curso da história, dada sua influência nos pensamentos, perspectivas e atitudes de seus fãs em relação à inclusão (Ray 2017).
Perfis em antropologia
Zora Neale Hurston (1861—1960_)
História pessoal: Zora Neale Hurston foi uma antropóloga, autora e cineasta negra americana. Ela nasceu em Notasulga, Alabama, filha de um meeiro que virou carpinteiro e ex-professora. Todos os seus avós nasceram escravizados. Hurston mudou-se para Eatonville, Flórida, uma cidade totalmente negra, em 1892, aos dois anos de idade. Ela frequentemente se referia a Eatonville como sua casa, pois não se lembrava de seu tempo no Alabama. Ela morou em Eatonville até 1904, quando sua mãe faleceu. Na época, Eatonville era uma comunidade negra bem estabelecida com uma economia em expansão. De acordo com vários relatos, Hurston nunca foi doutrinado a sentir inferioridade racial. Enquanto ela era residente, seu pai foi eleito prefeito da cidade. Todos os donos de lojas e funcionários do governo também eram elites negras americanas. Na idade adulta, Huston costumava usar Eatonville como cenário de suas histórias.
Huston deixou Eatonville devido a um relacionamento ruim com sua madrasta. Ela se matriculou em aulas no Morgan College, em Maryland, mentindo sobre sua idade de 26 anos para se qualificar para uma educação secundária gratuita. Ela se formou em 1918 e frequentou a Howard University, uma universidade historicamente negra em Washington, DC, antes de se transferir para o Barnard College da Columbia University. Em Barnard, Hurston estudou com Franz Boas como estudante de graduação e pós-graduação. Ela também trabalhou com outros antropólogos fundacionais, incluindo Ruth Benedict e Margaret Mead.
Área de Antropologia: Além de seu tempo na academia, Hurston foi uma figura central no Renascimento do Harlem como artista literária, trabalhando em estreita colaboração com Langston Hughes, entre outros escritores. Ela foi uma artista literária fundamental cujo trabalho refletia diretamente as provações, tribulações e sucessos das comunidades e subsociedades negras americanas que muitas vezes eram negligenciadas ou exotizadas (Jones 2009).
Hurston era um antropólogo cultural apaixonado pelas práticas culturais da América do Sul e do Caribe. Ela passou um tempo significativo nessas áreas geográficas, mergulhando nas diversas culturas dos negros no sul da América e no Caribe.
Realizações no campo: Uma das obras antropológicas mais notáveis de Hurston é Mules and Men (1935), com base na pesquisa etnográfica que ela conduziu em campos de madeira no norte da Flórida. Um dos focos desse trabalho foi a dinâmica de poder entre os homens brancos que estavam no comando e as trabalhadoras negras, algumas das quais os homens consideravam concubinas. Além desse trabalho, Hurston estudou as tradições da música negra americana e sua relação com a música da escravidão e com as tradições musicais dos africanos pré-Middle Passage.
Importância de seu trabalho: Hurston não apenas estudou a sociedade e a cultura humanas como antropóloga, mas também foi uma participante ativa das artes. Ela foi uma figura central no Renascimento do Harlem, que foi um florescimento da cultura negra centrada no bairro do Harlem, na cidade de Nova York. Seu romance mais popular é Their Eyes Were Watching God (1937; Carby 2008). Suas áreas específicas de foco de pesquisa antropológica e etnográfica foram o folclore negro americano e caribenho. Ela também trabalhou para o Federal Writer's Project, parte da Works Progress Administration, como escritora e folclorista. Hurston é agora uma figura icônica da Associação de Antropólogos Negros e de vários periódicos de estudos antropológicos negros.
A importância do contexto sociocultural na compreensão da música
A etnomusicóloga Patricia Campbell (2011) propõe que as perspectivas das crianças sobre os interesses musicais são derivadas de sua família, comunidade e ambiente. Como você aprendeu sobre a música que você gostou? O que seus pais ouviram e o que você escutou? Embora você possa ter aprendido e passado a gostar de outras músicas à medida que envelheceu, sua apreciação pela música se baseia no ambiente sociocultural em que você foi criado. Imagine crescer em uma família que só ouvia música de flauta de bambu Bansuri. Você ao menos saberia, por exemplo, o que é música rap?
A música como base para a subcultura e a comunidade
A afiliação da música à identidade tornou-se um tópico comum de investigação em etnomusicologia na década de 1980, talvez motivado pelas subculturas musicais da década de 1970 que surgiram entre grupos de pessoas que não se identificavam com as normas, valores ou ideais convencionais. Entre as subculturas musicais que surgiram nessa época estava a subcultura punk (Moran 2010). Embora muitas vezes fosse vista como nada mais do que uma rebelião juvenil, a subcultura punk formou sua própria comunidade, valores e ideais fundados em um ethos do tipo “faça você mesmo” ou “faça você mesmo”. Isso pode ser encontrado nas letras, músicas e apresentações de grupos punk como os Ramones e o Clash, bem como em grupos mais recentes influenciados pelo pop, como Green Day e Blink-182. As letras contam histórias sobre a necessidade de romper com ideais e valores comuns para pensar e fazer por si mesmo.
Apropriação cultural
As práticas culturais importantes para as comunidades geralmente são integradas à estrutura da identidade de cada pessoa. A apropriação cultural é definida como o uso impróprio ou desrespeitoso de um elemento significativo de uma cultura ou identidade fora do contexto cultural pretendido por alguém que não faz parte dessa cultura ou identidade (Young 2008). O ato de apropriação cultural por culturas dominantes ameaça apagar partes remanescentes de uma cultura que já podem estar comprometidas. A apropriação cultural está ligada à desigualdade social, pois envolve um grupo socialmente dominante usando a cultura de um grupo marginalizado para obter ganhos exploradores ou capitalistas. O significado cultural dos elementos apropriados está perdido. Embora o ato de apropriação cultural tenha séculos, houve um apelo renovado de comunidades marginalizadas nos últimos anos para entender como e por que essa prática é prejudicial.
Wesley Morris (2019) escreveu um artigo para o Projeto 1619 do New York Times sobre a apropriação em massa da música negra. Morris observou casos de apropriação de artistas como Steely Dan, Eminem e Amy Winehouse, todas superestrelas da música branca americana ou britânica. A apropriação musical é o uso das contribuições musicais de um gênero em outra música que não é do mesmo gênero, estilo ou cultura. O poder da música negra de articular a história, as lutas e a marginalização dos negros também atraiu outros grupos sociais, muitos deles atraídos pela capacidade dessa música de comunicar sua mensagem com clareza e ousadia. Morris também discute como, mais recentemente, a apropriação de letras negras, músicas e estilos de apresentação musical se tornou um método para abordar a necessidade de integração e cultura integrada. Isso pode ser visto no remix de 2019 do artista negro Lil Nas X de sua canção de sucesso “Old Town Road”, para a qual ele se juntou ao músico country branco Billy Ray Cyrus para fazer um dueto. A música em si é uma mistura de culturas, musical e racial, e oferece uma contribuição social para a evolução dos esforços de inclusão.