16.2 : Anthropologie des arts
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À la fin de cette section, vous serez en mesure de :
L'anthropologie des arts peut inclure diverses approches pour interpréter les formes d'art, y compris des analyses des significations symboliques représentées, des supports par lesquels l'art est diffusé et même de la manière dont l'art est fabriqué. L'art est fortement ancré dans l'expérience humaine.
Comment les anthropologues abordent-ils l'art ?
Vous vous demandez peut-être comment l'art reflète-t-il ou oriente l'étude de l'anthropologie ? La réponse est simple : l'art est créé par des humains. Bien que les définitions de l'art varient et aient toujours été interprétées de manière étroite pour correspondre à la compréhension occidentale du terme (Morphy et Perkins 2006), l'application intentionnelle de l'imagination, de la créativité et de l'habileté a toujours été un élément constant. L'art est créé avec intention.
L'art est une représentation de l'expérience humaine, et les anthropologues abordent l'étude de l'art de la même manière qu'ils abordent tout autre aspect de l'existence humaine. Les anthropologues abordent chaque sujet selon une approche holistique, en le situant dans le contexte plus large d'une culture : « la langue, l'environnement, l'économie, la religion, la vie familiale, la gouvernance, etc. » (Plattner 2003, 15). Tous ces détails sont implicitement et inextricablement ancrés dans les produits d'une culture, qui ne peuvent être pleinement compris et appréciés sans une certaine prise de conscience. Cela est particulièrement important en ce qui concerne les arts, qui reposent dans une large mesure sur un vocabulaire culturel commun. Comme l'affirme Stuart Plattner (2003) :
Les anthropologues pensent que la production artistique... doit être considérée, non pas simplement comme une esthétique appliquée, mais comme une activité ancrée dans un monde artistique, un ensemble complexe de relations sociales... Il est faux de se concentrer sur l'objet d'art unique et de ne pas tenir compte de l'ensemble complexe des relations humaines qui ont contribué à sa création (15).
L'anthropologie se prête à l'examen du comment et du pourquoi des arts. L'art est étudié par des anthropologues au moyen de méthodes telles que l'observation, les entretiens, les groupes de discussion et les évaluations de sites. L'étude anthropologique de l'art comprend des études ethnographiques ainsi que des recherches en anthropologie physique et en archéologie (par exemple, peintures rupestres du Paléolithique supérieur, peintures rupestres aborigènes, etc.). Considérez le travail nécessaire pour analyser une création artistique ou un événement sportif à l'aide de ces techniques anthropologiques. Ce travail peut inclure la découverte et l'évaluation d'artefacts de sociétés anciennes, l'interview d'artistes de théâtre ou la participation à un jeu ou à un match. L'étude de l'art, de la musique et du sport nécessite la même approche holistique et diversifiée que toutes les autres études anthropologiques.
Qu'est-ce que l'art ? Qui le définit ? Quelle est la différence, le cas échéant, entre une pratique culturelle et une œuvre d'art ? Ce sont toutes des questions pertinentes à prendre en compte lorsque l'on explore les arts dans le but de mieux comprendre les cultures humaines. La conception moderne de l'art a commencé au XVIIIe siècle, lorsque le mot art est passé de toute compétence spécialisée (par exemple, l'art du jardinage) à une référence aux beaux-arts (Kristeller 1990). Les anthropologues considèrent que l'art a des dimensions historiques, économiques et esthétiques. Prenons l'exemple des peintres de l'Antiquité romaine, qui avaient souvent des mécènes qui subvenaient à leurs besoins. On pourrait dire que ces peintres étaient des personnes moins fortunées ; toutefois, avec le soutien d'un mécène, ils pouvaient gagner un salaire pour exprimer leurs talents. Et en termes esthétiques, l'art fournit une représentation de ce qui est considéré comme beau dans un certain contexte culturel.
Le sous-domaine de l'archéologie anthropologique a abordé l'étude des arts selon ses propres perspectives spécifiques. Les archéologues ne peuvent pas observer comment un objet d'art a été créé ou utilisé et ne sont pas en mesure de poser à ses créateurs ou à ses consommateurs les types de questions ethnographiques sur lesquelles d'autres anthropologues culturels peuvent s'appuyer. Les archéologues possèdent des connaissances spécialisées concernant les contextes sociohistoriques et culturels de l'art ancien. Leurs recherches sur ces œuvres d'art fournissent aux autres anthropologues un point de départ pour analyser des œuvres d'art plus anciennes. Cela leur permet également de mieux comprendre la fonctionnalité et les objectifs de l'art ancien.
Les objets d'art matériels peuvent inclure de nombreuses choses avec lesquelles les gens interagissent à la maison, au travail ou à l'école. Il s'agit notamment d'artefacts qui sont le résultat de représentations du monde par diverses personnes, tels que l'architecture du bâtiment dans lequel on vit ou d'un café préféré. Ils peuvent également être des reliques de l'Antiquité, telles que des armes, des outils et des dessins rupestres. Ces reliques se trouvent dans les recherches et les rapports que les historiens de l'art, les anthropologues et les archéologues utilisent pour analyser la signification symbolique et culturelle de l'art. L'étude iconographique est l'étude des images visuelles, des symboles ou des modes de représentation associés collectivement à une personne, à une secte ou à un mouvement. L'art est un comportement expressif qui englobe et exprime les visions du monde culturelles, le statut social et la hiérarchie, les mythes et la cosmologie.
Étudier l'art préhistorique
Une grande partie de ce que les anthropologues considèrent comme de l'art préhistorique consiste en des artefacts et des matériaux utilisés pour faciliter le travail nécessaire à la vie. Il comprend également des peintures rupestres créées il y a des dizaines de milliers d'années. Parmi ces peintures rupestres, on peut citer l'art rupestre du Paléolithique supérieur datant d'il y a 40 000 à 64 000 ans, qui présente des figures d'animaux et d'objets au pochoir, mais qui ne sont généralement pas des humains.
Cet art rupestre, souvent appelé art rupestre, a servi de support pour archiver l'expérience humaine, raconter une histoire et montrer comment les peuples préhistoriques voyaient le monde qui les entourait. La figure 16.3 ci-dessus montre comment quelqu'un a vu des animaux chassés et, ce qui est inhabituel pour ce type d'art, les personnes qui les chassaient. Ces dessins ont servi d'outil de communication, d'archives historiques et de représentation artistique d'une période et de l'expérience humaine des personnes présentes.
Art d'interprétation
Les arts visuels peuvent être considérés comme des preuves importantes pour tenter de comprendre une culture. Au fil du temps, les arts visuels ont été utilisés pour transmettre les expériences humaines d'un large éventail de cultures. Cet art fournit aux anthropologues modernes de précieuses perspectives sur d'autres cultures et sur d'autres époques auxquelles il pourrait être difficile d'accéder par d'autres moyens. L'image de l'empereur Kangxi sur la Figure 16.4 exprime la fierté, la richesse et la force, caractéristiques que l'artiste associe à la dynastie Qing en Chine, en représentant l'empereur. Cette image illustre les succès de cette culture à ce moment précis de l'histoire. L'analyse détaillée des œuvres d'art peut contribuer à la sophistication avec laquelle les anthropologues comprennent à la fois les cultures individuelles et la nature changeante des cultures humaines en général.
Art spirituel
D'autres formes d'arts visuels jouent un rôle important dans les pratiques et les croyances spirituelles et socioculturelles. Le mandala, un diagramme symbolique composé de divers motifs géométriques représentant l'univers, en est un exemple. Les mandalas sont une pratique culturelle au Tibet, en Inde, au Népal, en Chine, au Japon et en Indonésie (Tucci [1961] 2001) et remonte au IVe siècle de notre ère. Généralement de forme carrée ou circulaire, ils sont utilisés dans l'hindouisme et le bouddhisme pour attirer l'attention pendant la méditation.
Une variante importante du mandala est le mandala de sable, un bel arrangement de sable coloré originaire de l'Inde et faisant désormais partie de la tradition bouddhiste tibétaine. Des moines bouddhistes spécialement entraînés créent des motifs élaborés avec le sable, en commençant par le milieu du diagramme et en utilisant des cercles concentriques pour se frayer un chemin jusqu'au bord. Une fois construits, les mandalas de sable sont ensuite détruits rituellement en reconnaissance de la doctrine bouddhiste de l'impermanence et de la nature transitoire de l'existence.
Anthropologie visuelle
L'anthropologie visuelle est un sous-domaine de l'anthropologie et constitue en soi une forme de recherche anthropologique. Il comprend l'étude de l'art tel que représenté par la photographie et le cinéma. Ce domaine est apparu en grande partie avec l'invention de la caméra, alors que les anthropologues ont commencé à documenter les groupes autochtones de l'époque sur des films. Parmi les personnalités les plus connues dans le domaine de l'anthropologie visuelle figurent Edward Curtis, dont les images des Amérindiens sont abordées en détail dans le chapitre 19 : Anthropologie indigène, et Robert Flaherty, dont le film Nanook of the North, sorti en 1922, est fréquemment présenté dans les cours d'introduction à l'anthropologie sous le nom de un des premiers exemples de réalisation de documentaires.
Alors que l'anthropologie visuelle est souvent confondue avec le film ethnographique, les représentations cinématographiques ne représentent qu'une petite partie de ce sous-domaine. L'anthropologie visuelle est l'étude de toutes les représentations visuelles produites par les cultures humaines, y compris les danses, les pièces de théâtre et les collections d'art, depuis la nuit des temps. Ces derniers temps, il est devenu une pratique courante d'utiliser les arts visuels pour exprimer ses sentiments, ses pensées et ses interprétations des choses vues, entendues et observées. De nombreuses cultures pratiquent les arts visuels et les utilisent dans divers scénarios. Ils peuvent être utilisés pour capturer une certaine ambiance, une tendance culturelle ou un événement historique.
Comme mentionné ci-dessus, le cinéma et la photographie ont joué un rôle majeur dans le développement de l'anthropologie visuelle en tant que domaine. Les films peuvent être utilisés pour capturer des images d'art, telles que des peintures rupestres, des sculptures de l'époque romaine ou des pièces de théâtre modernes. De plus, le cinéma lui-même est devenu une forme d'art importante. Le film fournit une représentation artistique de l'expérience humaine vue par ses réalisateurs, ses interprètes, ses monteurs et tous ceux qui ont contribué à son développement.
Le domaine de l'anthropologie visuelle a eu un impact significatif sur la façon dont les anthropologues envisagent l'art. Elle est également devenue une force motrice dans la façon dont les anthropologues perçoivent l'évolution sociodémographique, ou l'évolution des sociétés humaines par rapport à des combinaisons de facteurs sociaux et démographiques. L'anthropologie visuelle de l'art transcende les générations, les siècles, les cultures et d'autres définitions catégoriques. Considérez la Figure 16.5, qui représente des touristes au Louvre français qui se pressent et photographient le célèbre tableau de Léonard de Vinci, la Joconde. Cette photographie illustre les dimensions et la complexité de l'anthropologie de l'art. Il transcende l'époque de la Joconde et est lui-même une expression de l'expérience humaine d'une époque plus récente, y compris de la façon dont les humains se rapportent à des objets visuels datant d'une période plus ancienne de l'histoire.
En raison de son ancienneté, l'image de Mona Lisa est dans le domaine public et peut être copiée et reproduite n'importe où. La peinture a fait l'objet de nombreuses parodies ou mèmes. Un mème est une image, une vidéo, un texte, etc., généralement de nature humoristique, qui est copiée et diffusée rapidement par les internautes, souvent avec de légères variations. La production prolifique de mèmes de la Joconde a permis à l'image de la société de rester pertinente sur une longue période. Pour en savoir plus sur les mèmes créés à partir de la Joconde, cliquez ici. Avons-nous exagéré la Joconde ?
L'appréciation de l'art
La neuropsychologue Dahlia Zaidel a suggéré que l'appréciation de l'esthétique découle de leurs processus cognitifs et affectifs. Cela signifie simplement que les gens sont attirés par l'art en raison de conditions préexistantes et que leur intérêt pour l'art évolue au fil du temps au fur et à mesure qu'ils vivent de nouvelles expériences, qu'ils apprécient de nouvelles choses et qu'ils mûrissent en tant qu'humains.
L'appréciation de l'art est une réponse biologique et neurologique. Les points de vue individuels sont intrinsèquement ancrés dans la biologie et la nature, la neurologie et l'éducation. Pensez à une personne que vous trouvez attirante et à ses attributs qui vous embellissent, ou pensez au dernier vêtement que vous avez acheté parce que vous avez aimé sa coupe, son apparence ou la façon dont les autres l'ont apprécié. L'attraction est une réponse basée sur une myriade d'attributs biologiques que chaque personne possède et possède depuis sa naissance. Celles-ci sont ancrées dans les lois de l'attraction. L'attirance de l'humanité pour l'art est aussi biologique que l'attirance pour d'autres choses (Zaidel et al. 2013). C'est peut-être la raison pour laquelle certaines personnes aiment différents types d'art de différentes époques qui décrivent l'expérience humaine.
Poterie
La poterie remonte au néolithique et est considérée comme l'une des plus anciennes inventions de l'humanité. La poterie est une forme d'art créée par de nombreuses cultures à des fins à la fois esthétiques et fonctionnelles, notamment pour le stockage et la cuisson des aliments, la carbonisation (la formation de carbone à partir de matières organiques) et les pratiques rituelles. Il s'agit depuis longtemps d'un type d'artefact important en archéologie. La poterie est un exemple d'objet pratique qui contient également des caractéristiques de beauté artistique. La poterie Acoma créée par la culture Pueblo en est un exemple. La poterie Acoma est fonctionnelle et n'a pas été créée uniquement comme ce que nous considérions aujourd'hui comme des œuvres d'art. Cependant, la poterie elle-même est un art matériel. Il est possible d'en apprendre beaucoup sur une culture en analysant à la fois la fonctionnalité d'une pièce ou d'un style de poterie en particulier et les images ou les histoires décrites dans ses détails et ses dessins. La poterie, comme les pièces de poterie vieilles de 20 000 ans découvertes dans la Chine ancienne illustrées à la Figure 16.6, a joué un rôle crucial dans la compréhension de l'histoire culturelle. La création de poteries fusionne les connaissances et les expériences humaines, y compris les ressources artistiques, les processus technologiques émergents et les besoins d'une population à un moment donné (P. M. Rice 2015).
Bien qu'elle ait un objectif fonctionnel, la poterie a souvent été ornée de décorations, de couleurs et d'autres éléments esthétiques attrayants à travers l'histoire. La poterie décorée a une grande valeur dans de nombreuses cultures, les gens payant de grosses sommes d'argent pour des pièces particulièrement décoratives.
Art corporel
Diverses formes d'art corporel constituent une forme d'expression fondamentale dans les cultures du monde entier. Toutes les cultures décorent et modifient le corps humain d'une manière ou d'une autre, que ce soit temporairement ou définitivement. Les cadres anthropologiques peuvent être utilisés pour comprendre l'art corporel à la fois comme une forme d'art visuel et comme une tradition culturelle.
Le tatouage est une forme d'art corporel pratiquée depuis des milliers d'années. Le tatouage est un terme polynésien. Les tribus et les peuples polynésiens utilisaient des tatouages pour établir leur identité, leur personnalité et leur statut. Les Maoris, un peuple polynésien indigène de Nouvelle-Zélande, utilisent traditionnellement les tatouages comme expression de leur identité et de leur appartenance culturelle. On peut également en trouver des exemples dans les cultures guerrières des Tonga et des Samoa, dans lesquelles des dessins de tatouage et des emplacements spécifiques sur le corps étaient utilisés pour démontrer l'affiliation d'un guerrier à un groupe particulier de guerriers d'élite. Au milieu du XXe siècle, les marins américains utilisaient des tatouages pour représenter leurs intérêts personnels, certains aspects de leur identité et leur appartenance à un groupe. Ces tatouages peuvent inclure des représentations de la mascotte d'une unité, des lieux visités par des personnes ou des objets dans lesquels elles ont trouvé de la beauté.
Il existe des preuves claires de la pratique consistant à modifier le corps à l'aide de marques remontant à 5 300 à 3 000 ans (Deter-Wolf et al. 2016 ; Shishlina, Belkevich et Usachuk 2013). De tels marquages sont encore pratiqués par certaines de ces mêmes cultures aujourd'hui, comme le peuple maori. Ötzi, un homme naturellement momifié trouvé dans les Alpes de l'Ötzal dont la mort remonte à environ 3250 avant notre ère, est le premier humain tatoué connu. Ses tatouages étaient faits de lignes et de croix sur son corps. On pense qu'elles ont été fabriquées en créant des incisions dans la peau et en frottant du charbon de bois dans les incisions.
Le tatouage peut être un moyen pour les individus d'exprimer leur appartenance à une communauté plus large. Non seulement les communautés se forment autour de l'art corporel, mais certaines peuvent également se faire tatouer en signe d'appartenance à une certaine communauté (par exemple, les tatouages d'une croix en tant que symbole de la foi chrétienne). Au cours des dernières décennies, les tatouages ont fini par servir à de nombreuses fins, notamment pour commémorer des proches, exprimer des goûts esthétiques, décrire des histoires personnelles, exprimer des émotions ou des sentiments et symboliser la rébellion (Dey et Das 2017).
Une approche modifiée du tatouage classique peut être trouvée dans l'art de la scarification. La scarification consiste à marquer, à graver ou à graver des motifs sur la peau. Les marques de scarification identifient souvent une personne comme étant affiliée à des sous-cultures ou à d'autres groupes. La pratique est également utilisée pour représenter la croissance individuelle ou la croissance et le développement d'un groupe ou d'un sous-ensemble d'une société.
Le maquillage est une expression de l'art visuel depuis la préhistoire. Il est utilisé pour améliorer la beauté, masquer les défauts et représenter les idéaux culturels de ce qu'est et doit être la beauté. Il s'agit souvent d'une délimitation socioculturelle de la richesse et de la réussite. Les piercings sont utilisés pour les mêmes raisons et ont été découverts dans les plus anciennes momies africaines. Ils peuvent être considérés comme l'expression de l'individualité ou de l'identité et de l'appartenance.
La peinture corporelle est un autre exemple d'art corporel. Dans certaines cultures, la peinture corporelle se limite au visage, tandis que d'autres couvrent l'ensemble du corps. La peinture du corps entier est une pratique courante chez les peuples autochtones australiens (Figure 16.9). Les objectifs de ce type d'art corporel incluent, sans toutefois s'y limiter, l'identification sous-culturelle et l'annonce du statut social et des réalisations. La peinture peut être temporaire ou semi-permanente, réalisée à l'aide de différents types de peintures et de teintures. La peinture corporelle suit des modèles et des styles uniformes dans certaines cultures et est menée de manière indépendante dans d'autres. Les dessins spécifiques peuvent révéler la position d'une personne au sein de sa famille, son appartenance à un groupe, sa position sociale, son identité tribale et même son histoire ancestrale précise (Layton 1989).
L'art au henné est un autre exemple de peinture corporelle. La peinture au henné est dérivée de feuilles de henné broyées, broyées et tamisées. Il est appliqué directement sur la peau selon des motifs complexes qui laissent une tache rouge ou orange une fois la peinture retirée. L'art corporel au henné est utilisé dans diverses cultures d'Afrique du Nord, de Somalie, d'Asie du Sud-Est et du sous-continent indien pour orner les mains et parfois les pieds des jeunes femmes lors d'occasions spéciales, telles que les mariages et les célébrations religieuses telles que l'Aïd el-Fitr (Chairunnisa et Solihat 2019). Lors des mariages, les femmes utilisent le henné pour exprimer leurs affiliations culturelles, familiales et religieuses. Il est également utilisé pour mettre en valeur la beauté de la mariée et pour témoigner du statut de la famille dont elle est issue et de celle dans laquelle elle se marie.
Le soin des cheveux est également une pratique culturellement significative dans les sociétés du monde entier. La façon dont on coiffe ou expose ses cheveux peut symboliser de nombreuses choses, y compris l'appartenance à une secte religieuse, l'appartenance raciale et l'alignement sur les tendances culturelles populaires. Les cheveux ont également été considérés comme un indicateur du statut social. D'un point de vue évolutif, la qualité et la quantité de cheveux que l'on possède indiquent leur robustesse et ont contribué à la sélection des partenaires et à l'identification des groupes. Les coiffures, le volume des cheveux et les couvre-cheveux ont tous contribué à l'identité culturelle et ont été considérés comme des représentations artistiques des expériences vécues par des personnes de cultures et d'époques très diverses. Dans certaines cultures musulmanes traditionnelles, les cheveux sont dissimulés par des foulards appelés hijabs. Cette représentation de la modestie est devenue une icône de la tradition et de la culture du Moyen-Orient.
Les coiffures sont particulièrement importantes dans les cultures africaines et de la diaspora africaine. Les cheveux jouaient un rôle important dans les anciennes civilisations africaines, utilisés pour symboliser l'origine familiale, le statut social, l'appartenance tribale, l'état matrimonial et la spiritualité. Les pratiques de toilettage des cheveux, en particulier celles qui demandent beaucoup de temps, comme se faire tresser les cheveux, sont souvent des activités sociales.