15.2: Instalação e escultura
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Com a globalização da arte e dos artistas, a arte pública se ampliou, deixando de ser uma pintura na parede ou a estátua na praça pública. As instalações e esculturas de arte incluem ideias experimentais, instalações de grandes dimensões que cobrem uma sala do museu ou áreas de grandes espaços públicos, trazendo o público para a obra de arte com vistas multidimensionais. O artista, os arquitetos de construção ou os artesãos locais que fazem as partes da instalação de arte agora colaboram para criar um resultado bem-sucedido.
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Nome |
País nativo |
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Ai Weiwei |
China |
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Yayoi Kusama |
Japão |
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Kara Walker |
Estados Unidos |
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Dale Chihuly |
Estados Unidos |
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Nome June Paik |
Coreia |
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Andy Goldsworthy |
Inglaterra |
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El Anatsui |
Gana |
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Mona Hatoum |
Palestina |
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Judy Chicago |
Estados Unidos |
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Christo |
Bulgária |
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Jeanne Claude |
Marrocos |
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Ruth Asawa |
Estados Unidos |
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Esther Mahlangu |
África do Sul |
Ai Weiwei (nascido em 1957) é um artista chinês contemporâneo e consultor artístico no Estádio Nacional de Pequim para as Olimpíadas de 2008. Weiwei estudou animação na Academia de Cinema de Pequim e é fundador do grupo de arte de vanguarda chamado 'Stars'. Explorando as questões de liberdade de expressão e direitos humanos, ele exibiu com as estrelas em Pequim. Weiwei frequentou a Parson School of Design em Nova York e passou oito anos tirando fotografias. Ele voltou para a China quando seu pai ficou doente e começou a trabalhar em arte política. Em 2010, ele foi colocado em prisão domiciliar pela polícia quando o governo se opôs às suas ideias políticas.
Em 2014, Weiwei criou uma instalação de arte para explorar as questões de liberdade de expressão e direitos humanos na Ilha de Alcatraz, uma famosa prisão insular na Baía de São Francisco. Weiwei não pôde deixar a China para assistir à abertura, mas enviou todo o trabalho para a instalação, contando com outros para instalar adequadamente seu trabalho, usando 12 milhões de peças de Lego (15,1) para criar as 176 imagens de azulejos de prisioneiros políticos, criando um diálogo sobre como as pessoas definem direitos individuais, liberdade e justiça e responsabilidade pessoal. Ele adicionou flores de porcelana e pipas chinesas, (15.2) incorporando-as em toda a prisão. Em uma das salas grandes, uma pipa de dragão enorme e colorida estava pendurada no teto e, em outra sala, fichários sobre os dissidentes forneciam informações junto com cartões postais que os espectadores podiam enviar.
A arte de Marchel Duchamp, que usou objetos utilitários para criar sua obra de arte, influenciou Weiwei no início de sua vida. Forever Bicycles (15.3) é uma instalação Weiwei feita com quase 1.300 bicicletas. Seu conceito foi baseado nas bicicletas produzidas em massa em sua cidade natal, mas muito caras para aqueles sem recursos econômicos. A estrutura das bicicletas de aço formava um túnel para que os espectadores vissem o quebra-cabeça interminável de peças entrelaçadas contra o céu. Árvores (15,4) eram esculturas que Weiwei fez de galhos e troncos de cânfora e cedro que ele coletou nas montanhas na China. Ele reuniu as peças para se parecerem com árvores reais, uma fonte de contemplação e apreciação da natureza.
Yayoi Kusama (nascida em 1929) é uma artista e escritora japonesa que trabalhou com uma variedade de mídias. Seu trabalho é ousado, psicodélico, repetitivo e cheio de padrões. Conhecida em todo o mundo como a Princesa das Bolinhas, Kusama reflete os motivos das bolinhas em sua arte. Ela é uma das melhores artistas de arte pop e veio para Nova York para estudar e trabalhar quando era jovem, retornando ao Japão e criando suas instalações de arte excepcionais e incomuns. Ela é considerada uma das maiores artistas vivas do Japão.
Ascensão de bolinhas nas árvores (15,5) e bolas cor-de-rosa (15,6) são bolinhas vermelhas/rosa e brancas/pretas que cercam as árvores, ou uma sala inteira cheia de bolinhas. Obsessiva por sua arte e sua vibração, cor e estilo são marcas registradas da Kusama. A arte é uma combinação de minimalismo, abstrato, surrealismo, conceitual e simplesmente Kusama. Usando objetos encontrados no ambiente como tela, ela preenche o objeto com bolinhas brilhantes. As abóboras fazem parte de seus temas há muito tempo, seja criando salas de abóboras ou abóboras gigantes solteiras, sempre cobertas com seus motivos de pontos. A escultura solitária e maciça de abóbora amarela (15,7) fica à beira-mar, decorada com linhas de pontos grandes e pequenos.
Kara Walker (nascida em 1969) é uma artista americana com mestrado pela Rhode Island School of Design que explora os conflitos de raça, sexo e gênero com figuras silhuetas significativas que podem ser engraçadas e, ao mesmo tempo, demonstrar violência e repressão. Ela constrói um panorama de silhuetas de papel recortadas instaladas contra uma parede branca, dando vida à violência. Os retroprojetores iluminam as figuras e fazem com que o corpo do espectador projete sombras na cena, adicionando profundidade e uma sensação fantasmagórica. Na lista negra: The Unsettling Art of Kara Walker (15.8) foi um de seus programas exibindo escravidão em verdades históricas de violência, agressão sexual e subjugação enquanto ela retrata os mitos da escravidão do sul do Antebellum.
15.8 Na lista negra: A arte inquietante de Kara Walker
Dale Chihuly (nascido em 1941) é um escultor de vidro americano que mudou a forma como o vidro é soprado, como ele é moldado e os efeitos únicos de como o vidro se transforma. Chihuly começou como especialista em design de interiores na Universidade de Washington, mas foi introduzido na fabricação de vidro e mudou para a Rhode Island School of Design. Limitado pelas regras da propriedade dos materiais derretidos, Chihuly teve que superar as dificuldades técnicas do sopro de vidro para criar suas esculturas coloridas em grande escala. Ele fundou a Pilchuck Glass School em Washington, onde praticou experiências com vidro.
Chihuly cria grandes instalações feitas para interagir com o meio ambiente (15,9), por exemplo, no jardim botânico, grandes esferas e espigões de vidro se misturam com as flores em cores complementares e contrastantes. O barco de bolas de vidro (15.10) flutuando no lago reflete as cores, enquanto outras bolas de vidro vibrantes estão flutuando ao redor do barco como se tivessem caído na água. O Sol (15.11) é um de seus conceitos originais de sopro de vidro, criando pedaços de vidro longos e retorcidos e instalando-os em pontas de metal, construindo uma grande escultura para pendurar ou levantar do chão. O Jardim e Museu do Vidro Chihuly é uma vasta exposição permanente que mostra seu trabalho.
Nam June Paik (1932-2006) foi um artista coreano-americano que trabalhou com vários tipos de mídia, mas foi considerado o fundador da videoarte. Fugindo de sua casa natal durante a Guerra da Coréia, sua família se mudou para a Alemanha e, em seguida, Paik se mudou para Nova York para combinar vídeo e música com arte performática. Em uma de suas instalações, ele espalhou televisores por toda parte e usou ímãs que distorciam ou alteravam as imagens e o som. Em outra instalação, Paik colocou vários aquários contendo água e peixes em uma linha nadando em frente a monitores mostrando imagens de outros peixes. Ele é conhecido por pegar aparelhos de televisão e transformá-los em robôs, Pre-Bell-Man (15,12), adicionando fios, metal e peças de rádios.
Paik criou uma grande instalação intitulada Superhighway: Continental U.S., Alaska e Hawaii (15.13) atualmente instalada no Smithsonian. É uma declaração sobre a obsessão dos Estados Unidos pela televisão, imagens em movimento e objetos brilhantes e brilhantes. Paik também é creditado com o termo “superestrada eletrônica”, um precursor do termo cunhado “superestrada da informação”. Para a instalação Video Sculpture (15.14), Paik empilhou monitores de vídeo e usou luzes de néon ao redor das telas, piscando e refletindo nas telas.
Andy Goldsworthy (nascido em 1956) é um escultor e ambientalista britânico que cria arte terrestre em ambientes naturais e urbanos. Goldsworthy estudou artes plásticas na Bradford College of Art e na Preston Polytechnic. Ele usa materiais naturais encontrados que são visíveis por um curto período para construir uma escultura no exterior ou em uma galeria (15,16). Usando a fotografia para documentar seu trabalho em diferentes fases da vida, ele imortaliza seu trabalho no cinema. Goldsworthy usa materiais como flores, folhas, neve, galhos, pingentes de gelo, pedras e outros objetos encontrados. Muitos acreditam que ele seja o fundador do balanceamento de rochas visto em Cairn (15,17), uma forma única de rochas sem argamassa. Ele gosta de usar as próprias mãos e encontrou ferramentas para criar, em vez de ferramentas feitas pelo homem. Algumas de suas obras são esculturas permanentes que resistem ao teste do tempo e da natureza, incluindo o Rio da Pedra (15,18) empilhadas ao longo do leito seco do riacho; no entanto, a maioria das instalações sucumbe à decadência.
“Gosto da liberdade de usar minhas mãos” — Goldsworthy
El Anatsui (nascido em 1944) é um escultor ganês que lecionou na Universidade da Nigéria e se afiliou ao grupo Nsukka a partir da década de 1970 para reviver a tradição do uli. Uli é um desenho desenhado pelo povo igbo da Nigéria e estava se tornando uma arte perdida. É um design linear robusto sem muitas perspectivas e é assimétrico. Inicialmente, El Anatsui usou argila e madeira para fazer objetos com base nas crenças e temas ganenses, cortando madeira com motosserras, deixou as marcas aparecerem da motosserra e depois usou uma tocha de acetileno para enegrecer a peça.
El Anatsui se interessou em fazer algo com uma grande quantidade de material reciclado disponível. Man's Cloth (15.19) é uma grande escultura que lembra o tecido e as camadas do material de instalação, como o tecido Kente (15,20). Ele usou itens descartados de tampas de garrafas ou pedaços de metal dobrados e amassados encontrados em estações de reciclagem, que ele amarrou com fio de cobre, dando ao material a capacidade de dobrar e cobrir. Suas obras podem ser significativas e cobrir uma parede, e a luminosidade do metal e as luzes da galeria que refletem pela sala, dão vida própria à peça. Peak (15.21) era feito de tampas e latas de garrafas encontradas usadas para leite, detritos espalhados pelo campo e enchendo as lixeiras que El Anatsui recuperou e usou para formar a escultura. Ele os amarrou frouxamente (15,22), para que as peças pudessem criar suas formas e dobras.
Mona Hatoum (nascida em 1952) é uma palestina que queria ser artista durante seus primeiros anos, mesmo diante da desaprovação dos pais. Ela finalmente estudou no Líbano e em Londres, agora criando arte para explorar os perigos e questões do mundo. Hot Spot (15.23) é um grande globo que retrata a agitação política no planeta. O globo de aço é iluminado com luz vermelha para ampliar os problemas que qualquer espectador percebe sobre aquecimento global, questões humanitárias, guerras ou pessoas que fogem de suas terras natais.
Judy Chicago (nascida em 1939) estudou arte na universidade, e seu trabalho original seguiu as ideias do minimalismo antes de incorporar conceitos feministas em seu trabalho, e ela ajudou a iniciar um movimento colaborativo para incentivar e ajudar mulheres artistas. The Dinner Party (15.24) é uma das mais conhecidas de suas instalações, uma mesa triangular para trinta e nove mulheres da história. Chicago usou motivos comemorativos da vida de cada mulher, embelezando cada mesa com eventos da vida da mulher. Os nomes de 999 outras mulheres estão escritos com ouro no chão embaixo da mesa.
Christo (nascido em 1935) e Jeanne-Claude (1935-2009) são uma equipe de marido e mulher que criou instalações de grande escala; ele nasceu na Bulgária e ela era do Marrocos. Eles trabalharam juntos por mais de trinta e cinco anos usando materiais para embrulhar ou cobrir grandes partes da paisagem ou edifícios ao redor do mundo, com base em temas de mudanças políticas ou econômicas. Eles não participaram das galerias ou mercados de arte habituais; em vez disso, trabalhavam fora do sistema, atraindo críticas. The Gates (15,25) foi erguido na cidade de Nova York ao longo dos caminhos do Central Park. Embora o planejamento e a construção dos portões tenham levado um ano, eles instalaram 7.503 portões coloridos de cor açafrão em cinco dias, alcançados sem nenhum dinheiro ou patrocínio da cidade. Christo e Jeanne-Claude arrecadaram dinheiro para pagar o projeto a partir de pôsteres e camisetas.
Outro projeto que eles projetaram e instalaram foi The Umbrellas, os guarda-chuvas azuis (15,26) foram montados no Japão e os amarelos (15,27) na Califórnia, todos planejados para ficarem prontos ao mesmo tempo. Bases de aço foram plantadas no solo para segurar os postes e âncoras antes que aproximadamente 2.000 trabalhadores pudessem inserir os guarda-chuvas. No Japão, mais de 1.300 guarda-chuvas azuis se encaixavam perfeitamente no espaço menor; no entanto, na Califórnia, os mais de 1.700 guarda-chuvas amarelos estavam espalhados por um espaço muito maior. As instalações do guarda-chuva permaneceram no local por apenas alguns meses; no entanto, foram uma grande atração para turistas, casamentos ou reuniões familiares.
Ruth Asawa (1926-2013) nasceu na Califórnia, era imigrante japonesa de seus pais e, durante a Segunda Guerra Mundial, ela e sua família foram detidas nos campos de internamento. Depois da guerra, ela começou sua educação como professora antes de mudar para a arte. Em certo momento, ela aprendeu a tecer cestos e começou a usar arame galvanizado para tecer, o que a inspirou a se interessar por linhas e por como uma linha pode seguir várias direções. Ela trabalhou com arame para fazer suas estruturas tecidas tridimensionais (15,28, 15,29) destinadas a pendurar e gerar sombras que mudam na luz e mudam o espaço. Asawa era apaixonada pela educação artística e ajudou a estabelecer programas para crianças, bem como programas de treinamento e emprego para artistas.
Esther Mahlangu (nascida em 1935) nasceu na África do Sul como parte do povo Ndebele e começou a pintar ainda criança. Sua mãe e sua avó eram pintoras de murais, uma habilidade comum para as mulheres da região. Mahlangu pinta em fundos de grande escala usando padrões que ela viu nas roupas das pessoas, geralmente de cores muito vivas com formas geométricas. A montadora BMW fez com que artistas como Warhol e Hockney projetassem um carro a cada ano para ser usado como seu Art Car. Mahlangu foi a primeira mulher convidada a desenhar um carro, e seu BMW Art Car (15.30) foi pintado com seus desenhos geométricos e cores tradicionais. Muitos de seus designs são encontrados em marcas corporativas, os padrões ousados delineados com linhas pretas e cores brilhantes. É comum que as pessoas pintem suas casas com cores, e ela pintou sua casa (15,31) seguindo esses conceitos. Mahlangu trabalhou incansavelmente para levar educação artística às crianças, dirigindo uma escola que ela fundou e continua apoiando artistas em sua terra natal. Por sua dedicação contínua, ela recebeu um doutorado honorário da Universidade de Joanesburgo.
