13.8: Surrealismo

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Max Ernst	1891	Surrealismo
Joan Miró	1893	Surrealismo
Leonora Carrington	1917	Surrealismo
René Magritte	1898	Surrealismo
Salvador Dalí	1904	Surrealismo
Marc Chagall	1887	Surrealismo
Frida Kahlo	1907	Surrealismo
Kay Sage	1898	Surrealismo

O surrealismo tornou-se um movimento cultural, a partir do início da década de 1920, retratando a diferença entre sonhos e realidade. A arte é excepcionalmente visual e pintada com precisão fotográfica em situações inesperadas. O movimento foi baseado na libertação da imaginação do artista sobre seu subconsciente. Influenciada pelos estudos dos sonhos de Sigmund Freud, a arte usou métodos freudianos de associação livre para produzir imagens extravagantes inesperadas e surpreendentes. O surrealismo também foi influenciado por Karl Marx, um filósofo alemão que escreveu O Manifesto Comunista e Das Kapital.

O surrealismo foi interpretado como a “caixa de areia para a mente subconsciente”

Max Ernst (1891-1976) foi um pintor alemão e um dos principais pioneiros do movimento surrealista. Quando ele era jovem, ele estudou filosofia, mas só queria pintar. Forçado a se juntar ao exército alemão na Primeira Guerra Mundial, ele se tornou altamente crítico da civilização moderna e desenvolveu seus conceitos de fantasia e sonhos, tornando-se um dos primeiros apoiadores do surrealismo. L'Ange du Foyer (The Fireside Angel) (13,83) foi pintado em resposta à eclosão da Segunda Guerra Mundial, com base em um incidente político na Espanha, o Fireside Ange l é uma figura destrutiva que tenta destruir a humanidade. A figura excessivamente abstrata preenche toda a tela com um céu e uma paisagem um tanto escuros e sombrios por trás. O uso ousado de vermelhos e azuis une a ação, deixando a imaginação do espectador com o significado sutil da obra. Ubu Imperator (13,84) aparece como um top vermelho de ferro, girando pela paisagem vazia, com as mãos seguradas em algum tipo de resposta emocional.

L' Ange_du_Foyeur.jpg — 13.83 *L'Ange du Foyer*

Joan Miró (1893-1983) foi um pintor e escultor espanhol de Barcelona, Espanha, e acreditava que seu trabalho era uma recriação de seu subconsciente, evitando os métodos tradicionais de pintura. Miro's Horse, Pipe, and Red Flower (13,85) é uma colagem inspirada no início de sua carreira e ainda influenciada pelo cubismo. Vários pequenos agrupamentos lotam a composição geral, enquanto as cores surgem de diferentes áreas da pintura, cada símbolo mantendo sua forma básica em vez das peças e partes do cubismo. Dona I Ocell (Mulher e Pássaro) (13,86), é uma escultura de concreto e azulejo de cores vivas com vinte e dois metros de altura. A escultura reflete os temas frequentemente usados por Miró sobre mulheres e pássaros e fica perto do mar em Barcelona.

13.85 *Cavalo, cachimbo e flor vermelha*

Leonora Carrington (1917-2011) nasceu na Inglaterra e acabou se mudando para a Cidade do México como pintora, escritora e ativista. De uma família rica, ela foi bem educada, inclusive lendo livros sobre os novos conceitos do surrealismo, embora sua família não a tenha incentivado a se tornar uma artista. Ela conheceu Max Ernst, que deixou sua esposa para se juntar a Carrington, incentivando-a a seguir sua carreira como artista. The Inn of the Dawn Horse (13,87), um autorretrato, retrata Carrington sentada em uma cadeira em um ambiente incomum, talvez um sonho, com a mão estendendo a mão para a hiena em movimento. Depois que Ernst foi presa pelos nazistas, ela deixou a França, sofreu um colapso e foi hospitalizada por três anos antes de ir para o México. Sempre interessada em animais e misticismo, Crocodrilo (13,88) é uma estátua que ela criou com base em sua pintura anterior de crocodilos surrealistas.

A Pousada do Cavalo do Amanhecer — 13.87 *A Pousada do Cavalo da Alvorada*

René Magritte (1898-1967) foi um artista belga conhecido por suas percepções incomuns da realidade. O processo de pintura de Magritte retratou o uso de objetos em diferentes contextos. O Império da Luz (13,89) ilustra o conceito de dia baseado no céu azul; no entanto, a metade inferior é preenchida com a rua escura forrada por uma única lâmpada de rua que aparece como noturna, até mesmo algumas das janelas estão iluminadas, aumentando a sensação de noite; a pintura a imagem paradoxal do dia versus a noite. As pinturas de Magritte deixam o espectador perguntando: “o que isso realmente significa”? A famosa pintura de Magritte, The Treachery of Images (13,90), era uma imagem simples que gerava polêmica contínua. As palavras sob o tubo dizem: “Isso não é um cachimbo.”, mas parece ser um cachimbo. Magritte argumentou que se dissesse que era um cachimbo, estaria mentindo, pois é apenas uma representação de um cachimbo.

Salvador Dalí (1904-1989) foi o artista surrealista espanhol mais proeminente, e sua obra mais conhecida é A Persistência da Memória (13,91), pintada em 1931. O uso de objetos do cotidiano em circunstâncias incomuns é o estado de sonho, e Dalí lança luz sobre o que é essencial. Os relógios representam o tempo? A distorção nos sonhos se torna real quando pintadas, as formigas são atraídas pelo metal em vez de carne, objetos duros estranhamente dobrados, a estranha criatura deitada no centro, como isso é percebido quando acordado. Em 1954, Dalí pintou The Disintegration of the Persistence Memory (13.92) como uma recriação de sua obra original; no entanto, nesta obra, a água inunda a área, e as formas e partes flutuam, soltas umas das outras. Mesmo na árvore morta, os relógios começam a derreter. Dalí estava interessado nas teorias da energia atômica e nas propriedades da nova energia nuclear e sua potencial destruição.

13.92 A desintegração da memória de persistência

Dalí sempre se interessou por matemática e ciências, mantendo suas visões religiosas, acreditando que elas eram compatíveis. Corpus Hypercubus (13,93) é uma imagem bíblica padrão da crucificação, apenas reinventada. O corpo está em perfeitas condições, sem marcas de feridas, o rosto virado para cima e para longe, imagens de Dalí e sua esposa vistas nos joelhos da figura. Em vez da cruz plana usual, a imagem é afixada em um hipercubo na extremidade de um bloco. A mulher olhando para a figura flutuante está em um tabuleiro de xadrez, repetindo a imagem de blocos. A grande escultura, Rinoceronte (13,94), é a imagem de um rinoceronte vestido de renda que brinca com ouriços-do-mar. Dalí se inspirou em uma pintura de Vermeer de uma mulher costurando pendurada na casa de seu pai.

Marc Chagall (1887-1985) foi um artista russo que viajou para Paris para frequentar uma escola de arte. Half-Past Three (13,95) foi pintado por Chagall alguns meses depois de chegar a Paris e mostra os conceitos do cubismo à medida que Chagall passou para o surrealismo. O poeta fragmentado de traje azul está sentado em uma mesa vermelha em um caos ordenado. A composição é equilibrada com o cotovelo do poeta apoiado na mesa vermelha e um caderno aberto no colo, com a caneta na mão do homem apoiada confortavelmente, esperando que a energia criativa flua. Chagall era amigo de um poeta russo que aparecia todas as manhãs para tomar um café, a imagem sugerindo que seu amigo estava esperando a musa fluir.

Enquanto morava em Paris, Chagall usou a ideia de sua vida na Rússia e retratou várias imagens de figuras flutuando nas pinturas. Em Paris Through the Window (13,96), a figura no canto está olhando para os dois lados, talvez em Paris e de volta para a Rússia. Do lado de fora da janela, flutue experiências oníricas que ele teve em Paris. O violinista (13,97) representa a pequena vila de Chagall na Rússia, um violinista parado na casa em frente ao vilarejo rústico.

12.61 Paris pela janela — 13.96 Paris pela janela

Esta pintura é uma representação de um violinista na vila de Chagall, Vitebsk. Chagall usa o violinista para criar uma imagem da batalha interna de um indivíduo comum, que é acentuada por sua escolha de cores e outros elementos. Criada em uma época em que a nostalgia dominava seus pensamentos, a pintura destaca seu legado cultural e religioso por meio da imagem de um violinista dançando em uma vila rústica. A imagem de Chagall sobre o violinista serviu de inspiração para o famoso musical de 1964 Fiddler on the Roof, que manteve o recorde do musical mais antigo da Broadway por quase dez anos.

Frida Kahlo (1907-1954) foi uma famosa pintora mexicana conhecida por seus autorretratos, casamento com Diego Rivera e pela resistência interminável das dores físicas decorrentes de acidentes. Caracterizando suas raízes mexicanas em suas pinturas, Kahlo pintou sua realidade mais do que seus sonhos como outros artistas surrealistas. Sofrendo ferimentos perpétuos causados por um acidente de trânsito e várias cirurgias para reparar a coluna vertebral, ela pintou da cama ou de uma cadeira em seu quarto. Isolados a maior parte de sua vida, os autorretratos foram a maneira de Kahlo mostrar sua dor. Na pintura Autorretrato com Colar de Espinhos e Beija-flor (13,98), o colar espinhoso está perfurando seu pescoço, fazendo com que o sangue escorra pelo pescoço, representando lesões físicas, mas sua expressão calma mostra sua tolerância em lidar com a dor. O beija-flor geralmente simboliza liberdade e vida, mas é pintado de preto e sem vida. O macaco nas costas pode representar seu casamento fracassado com Rivera. A pintura é um dos 55 autorretratos que Kahlo pintou em sua vida.

13.98 *Auto-retrato com colar de espinhos e beija-flor*

As Duas Fridas (13,99) foram pintadas após seu divórcio, duas imagens de Kahlo, uma com um vestido tradicional e um coração partido, e a outra Kahlo com roupas modernas. Ambos têm corações visíveis, um cortado por uma tesoura e sangrando, o céu escuro e sinistro, uma pintura que muitos acreditam ter representado sua tristeza pelo divórcio. Em seu acidente devastador, Kahlo feriu muitas partes de seu corpo, The Wounded Deer (13.100), simbolizando as múltiplas feridas enquanto o rosto permanece sereno. Somente troncos de árvores são visíveis, sem folhagem, um galho quebrado pintado em detalhes está no chão.

Kay Sage (1898-1963) era uma americana de uma família rica que estudou arte na escola e na Europa. Depois de um casamento de dez anos e o divórcio de um príncipe italiano, ela se mudou para Paris e foi exposta e inspirada pelo surrealismo. Quando a Segunda Guerra Mundial começou, ela voltou para os Estados Unidos, incentivando outros artistas a virem e escaparem da guerra. A maioria das pinturas de Sage foi baseada em estruturas arquitetônicas, seja em ruínas em decomposição ou em paisagens celestiais. Danger, Construction Ahead (13.101) aparece como uma paisagem lunar, a ponte da cidade moderna se estendendo até a próxima cidade, enquanto a Quinta-feira Incomum (13.102) aparece como uma cena antiga e dilapidada, a ponte se estendendo para lugar nenhum.

Pablo Picasso é conhecido por seu trabalho como líder e pintor do cubismo; no entanto, ele viveu uma vida longa, e uma de suas pinturas mais famosas é o estilo surrealista, Guernica (13.103). Com base na guerra civil espanhola, a pintura em preto, branco e cinza é considerada uma das obras proeminentes que ilustram a destruição e a dor da guerra; o cavalo corado, as chamas, a mutilação e o desespero. A pintura não especificou nenhum local específico para a pintura e hoje se tornou um símbolo atemporal do sofrimento e da brutal desolação da guerra.