11.8: Pós-impressionismo (1885 — 1905)

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O pós-impressionismo, de 1880-1905, foi criado por um grupo de artistas que estavam adotando o Simbolismo, um novo conceito que refletia emoções e ideias, afastando-se do naturalismo adotado pelos impressionistas. O movimento começou na França e se espalhou pela América, artistas tentando criar emoção em suas pinturas, proporcionando ao espectador uma experiência mais fabulosa.

“Ame o que você ama” - Vincent Van Gogh

Um dos proeminentes pós-impressionistas foi Vincent Van Gogh (1853-1890), um artista holandês que começou sua carreira como ministro e passou a pintar aos vinte anos. Van Gogh não frequentou a escola de arte; ele pintou o que viu e, em seu estilo característico, tornou-se um dos pintores mais reconhecidos de todos os tempos. Apoiado financeiramente por seu irmão Theo, Van Gogh pintou em um estilo instintivo, justapondo cores como um experimento. Embora ele tenha vendido apenas uma pintura em sua vida, suas pinturas foram vendidas por até 150 milhões de dólares em leilão hoje. Van Gogh produziu mais de 2100 peças de arte, fazendo dele um dos artistas mais prolíficos em sua curta vida. A Noite Estrelada (11,40) e o Vaso de Natureza Morta com Doze Girassóis (11,41) são algumas das pinturas mais conhecidas de Van Gogh.

Van Gogh pintou várias imagens de girassóis, todas semelhantes; apenas as flores diferem na forma como estão posicionadas e no número de flores. Ele usou a nova tinta amarela sintética disponível, dando-lhe uma ampla variedade de tons. Ele pintou o céu noturno durante seu tempo em um asilo enquanto olhava pelas grades de sua janela, vendo o movimento giratório no céu.

“Em uma noite estrelada... Uma luz cintilante, eu olho para cima e me imagino viajando no tempo. As lindas luzes cintilantes parecem me chamar lá. Só consigo imaginar como seria voar entre eles. Ser capaz de olhar para a terra e ver sua beleza. Tudo isso, em uma noite estrelada.”

Paul Gauguin (1848-1903) nasceu na França, onde se tornou amigo de Van Gogh, compartilhando uma casa e decorando-a com girassóis amarelos. Os dois foram vistos na cidade pintando lado a lado, bebendo no salão local e fazendo farra como irmãos. Gauguin morou no Perú quando era mais jovem e viajou para os mares do sul do Taiti, onde passou um tempo pintando os habitantes locais, desenvolvendo seu estilo característico. Seu uso exclusivo da cor evoca emoções primitivas e força o espectador a usar sua imaginação para preencher as pinturas além de onde Gaugin aplicou a tinta. Mulheres taitianas na praia (11,42) demonstra seu uso distinto de cor e as mulheres estão posicionadas para expressar seus sentimentos emocionais.

Ainda assim, a vida se tornou muito comum, uma imagem reconhecível, e Paul Cezanne (1839-1906) era um especialista. A fruta em uma mesa com toalhas drapeadas, Still Life with a Curtain (11.43), parece simplesmente pintada, mas o uso sofisticado da cor e a falta de perspectiva e detalhes são a base para a transição para um mundo de arte fundamentalmente mudado no final do século XIX. Como em Still Life, Drapery, Pitcher e Fruit Bowl (11,44), ele usou tinta espessa em superfícies planas, dando aos itens profundidade e estrutura com as frutas estranhamente empilhadas ou aquelas prestes a rolar da mesa.

11.44 *Still Life, tapeçaria, jarra e fruteira*

Em uma mudança completa de meio, Henri Toulouse-Lautrec (1864-1901) ilustrou a burguesia francesa na impressão tradicional japonesa em xilogravura. Suas contribuições incluem litografia e arte em pôsteres, capturando o momento em pedaços gigantes de papelão. As imagens sofisticadas e às vezes provocativas expressam pessoas empolgantes e elegantes se divertindo no teatro. La Goulue (11h45), um pôster e Marcelle Lender Doing the Bolero in Chilperic (11.46), uma pintura, retratam a vida nos cabarés de Paris, um lugar para homens e mulheres de classe média se divertirem.

383px-Lautrec_moulin_rouge, _la_goulue_ (pôster) _1891.jpg — 11.45 *La Goulué*

11.46 *Marcelle Lender fazendo o Bolero em Chilperic*

Juntos, Cezanne, Van Gogh, Gauguin e Toulouse-Lautrec foram um grupo de artistas que moveu completamente a arte para uma nova direção. Todos tinham estilos e planos de fundo diferentes; no entanto, todos pintavam com cor e pintavam emoção e expressão no que viam.

George Seurat (1859-1891) é conhecido por seu uso inovador da pintura com pontos, conhecida como pontilhismo. De perto, tudo o que pode ser visto são pontos coloridos; no entanto, os espectadores ficam surpresos ao recuar para observar uma pintura muito realista. A peça em grande escala, A Sunday Afternoon on the Island of La Grande Jatte (11.47), transformou o futuro da arte no final do século XIX.

800px-a_sunday_on_la_grande_jatte, _Georges_Seurat, _1884.png — 11.47 *Uma tarde de domingo na Ilha de La Grande Jatte*

Pintar pessoas pode ser um processo complicado e, para ter qualquer semelhança na vida real, um artista deve entender os músculos, tendões e estrutura óssea do corpo humano. Originalmente pintor histórico, Edgar Degas (1834-1917) trouxe o treinamento clássico para um assunto moderno e ficou conhecido como o pintor clássico da vida moderna. Degas começou a estudar e pintar cavalos passando longos dias na pista, desenhando a anatomia do cavalo. Suas belas pinturas de cavalos alteram a perspectiva do espectador o suficiente para se perguntar onde ele está quando está pintando. O recorte aproximado em At the Races (11.48) adiciona a perspectiva abreviada, mas a pintura tem um fundo. Às vezes, ele até empurra a cena para a direita, cortando as pernas do cavalo ou metade da carroça. Degas era um mestre da perspectiva e, nas aulas de balé, metade da pintura é o chão ou as paredes, com os dançarinos apenas de um lado. Ele criou uma extensa série de pinturas do balé, incluindo Ballet Rehearsal (11.49).