8.2: Artistas da Renascença
- Page ID
- 170834
Filippo Brunelleschi (1377-1446) nasceu na França e se tornou um dos arquitetos mais conhecidos da época. A arquitetura no início do Renascimento foi um renascimento do classicismo, afastando-se do estilo gótico tradicional de design e construção. A igreja principal de Florença, Itália, a Cattedrale di Santa Maria del Fiore (Catedral de Santa Maria da Flor) (8.3), começou em 1296 com base no estilo gótico. O projeto do edifício incluía uma imensa cúpula octogonal, e a igreja teoricamente seria a maior construída no mundo. O único problema - por 200 anos, ninguém conseguiu produzir um plano viável para construir a cúpula - é que a cúpula ficou descoberta e aberta aos elementos. A partir dos conceitos da antiguidade, Filippo Brunelleschi reviveu as técnicas de construção da perspectiva linear adotadas pelos gregos e romanos e projetou uma cúpula para caber na abertura.
Em 1418, depois de convencer os pais da cidade de seu projeto radical de construir duas cúpulas, uma dentro da outra, Brunelleschi recebeu o contrato para construir a cúpula. O sistema de parede dupla (fig. 8.4) de tijolos leves permitiu que a cúpula subisse mais alto e mais substancial do que nunca. A cúpula foi construída com 43,2 metros de altura e Brunelleschi inventou um design de tijolo em espinha de peixe (8,5) espiralando para cima, adicionando suporte enquanto o peso era deslocado para fora, para os suportes da cúpula. Brunelleschi teve que projetar, criar e usar várias máquinas de elevação para levantar os materiais até os trabalhadores. A cúpula era uma maravilha matemática e arquitetônica, e os visitantes ainda podem subir até a lanterna para vistas magníficas de Florença.
Originalmente, Brunelleschi queria que o interior da cúpula coberto de ouro refletisse a luz, no entanto, ele morreu e a cúpula estava simplesmente caiada de branco. Mais tarde, o Duque de Florença contratou artistas para pintar o interior da cúpula com histórias (8.6) representando O Juízo Final da Bíblia.
LEITURA: Cúpula de Brunelleschi: construção e estrutura
Donato di Niccolo di Betto (também conhecido como Donatello) (1386-1466), nascido em Florença, o centro do novo movimento, foi um dos artistas renascentistas originais. Cosimo De Medici, o primeiro líder da dinastia Medici, patrocinou Donatello e, em 1430, Donatello criou a primeira escultura nua independente de David (8,7). Donatello estudou arte grega e romana junto com Brunelleschi antes de projetar a estátua.
A postura tradicional de uma escultura independente foi uma das primeiras desde as estátuas gregas e romanas do passado antigo, tornando esta estátua revolucionária e emocionante de ver. O corpo alto e ágil do jovem David está apoiado em uma perna e sua espada, deixando a outra perna se curvar para frente sobre a cabeça de Golias. David tem um sorriso encantador (8,8); suas mãos estão ao seu lado contra a pele lisa e polida e seus longos cabelos encaracolados fluem por baixo do capacete.
A estátua provocativa estava em uma coluna no meio do pátio do Medici Palazzo, em vez da praça da cidade, indicando que pode ter sido controverso exibir uma figura masculina nua nessa época do século XV. Donatello estava, sem dúvida, à frente de seu tempo como artista, liderando a revolução renascentista da aceitação e das qualidades humanísticas na arte.
Tommaso di Ser Giovanni di Simone (também conhecido como Masaccio) (1401-1428) foi um dos melhores pintores do período quattrocento do renascimento. Durante seu curto período como pintor, ele teve uma profunda influência sobre outros artistas e seus métodos de usar a perspectiva, mudando a pintura ocidental para sempre. Infelizmente, ele morreu aos vinte e seis anos.
Quattrocento — o século XV como período da arte ou arquitetura italiana
Afastando-se do estilo gótico tradicional e mais plano, Masaccio usou a perspectiva (do latim para “transparente”) em sua pintura, um desvio dos métodos de pintura padrão. Seu uso de uma perspectiva linear de um ponto mudou a pintura e o desenho para sempre. O ponto de fuga (8,9) começa como um conjunto de linhas paralelas, como um trilho de trem, desaparecendo no outro lado da imagem. Sua magnífica pintura, a Trindade (8,10), localizada na igreja Santa Maria Novella, em Florença, é um grande afresco acima de uma tumba.
Os arcos do triunfo romano no Fórum Romano podem ter sido a inspiração para Masaccio. Seus cofres de barril são desenhados pela perspectiva exata mostrada pelo teto em caixotões recuando para o fundo. A ilusão realista do espaço cria profundidade com o uso das colunas e do teto. Cristo na cruz é o centro da pintura, o corpo pintado de forma musculosa olhando para Maria. A pintura inteira está localizada no topo de uma tumba aberta com a inscrição: “Como eu sou agora, você será. Como você está agora, eu já fui”. O incrível espaço cavernoso mostra o ponto de perspectiva logo abaixo da parte inferior da cruz. Os avanços significativos que Masaccio usou nesta pintura passaram a influenciar os grandes artistas do Renascimento.
Em 1436, Johannes Gensfleisch Zur Laden zum Gutenberg (1398-1468) inventou a impressora de tipos móveis (8,11) na Europa. Inventor, artesão, ferreiro e editor, ele era bem educado e pertencia a uma família rica. Os livros da Europa do século XIV eram únicos, cada um dos monges nos mosteiros copiava cada um deles à mão. Gutenberg viu uma oportunidade quando as bibliotecas foram abertas pela primeira vez, e os estudiosos queriam ter acesso a muitas cópias dos mesmos livros. Gutenberg começou a fazer experiências com texto, cortando-o em letras individuais, colando-as em pequenos blocos de madeira para usar como selos, cada bloco pintado individualmente. Em seguida, ele inventou o texto em metal e um molde de bloco de letras, para que todo o texto tivesse o mesmo tamanho, dando aos tipógrafos a capacidade de formar linhas ou páginas impressas. O formulário foi pintado e prensado à mão no papel. Gutenberg usou um design semelhante às prensas de vinho ou maçã com um design de parafuso para pressão.
Por dois anos, Gutenberg e sua equipe trabalharam na impressão da Bíblia em texto preto, iluminado à mão com tintas coloridas. A primeira edição de 180 livros idênticos foi muito bem-sucedida e deu início à revolução da impressão. Dois anos depois que Gutenberg inventou a imprensa, a produção de livros aumentou e o analfabetismo caiu. Embora uma impressora tenha sido inventada na China e na Coréia alguns séculos antes, a tecnologia não havia migrado para a Europa. A impressora de Gutenberg é considerada uma das invenções mais críticas da história europeia.
Andrea Mantegna (1431-1506) foi uma pintora italiana que estudou arqueologia romana e foi informada pelas antiguidades, uma influência que aparece no fundo da maioria das obras de arte de Mantegna. Ele era um mestre da ilusão de ótica e praticou o desenho das perspectivas antes de começar uma pintura. São Sebastião, (8,12) pintado em 1480, retrata o santo amarrado a uma coluna grega, empalada com flechas. A figura pálida e agonizante de São Sebastião é contradita com o céu azul e as nuvens brancas e fofas entre uma cidade e a coluna à qual ele está amarrado. A influência arquitetônica grega emoldura a pele clara e o manto branco do santo com o mármore branco-acinzentado das colunas.
Outra bela pintura de Mantegna é Cristo como o Redentor Sofredor (8.13). A pintura foi concluída quinze a vinte anos depois de São Sebastião e representa o crescimento da habilidade de Mantegna como artista. Cristo está envolto em uma cortina branca, ladeada por dois anjos. Ao fundo está o túmulo, o recém-enterrado e agora ressuscitado Cristo acabou de emergir, tornando a pintura uma história completa, mantendo o foco em Cristo no centro.
Alessandro di Mariano di Vanni Filpepi (também conhecido como Sandro Botticelli) (1445-1510) foi um pintor do início da Renascença que frequentou a escola de Florentino sob o patrocínio de Lorenzo de Medici. Botticelli foi aprendiz de Fra Filippo Lippi aos quatorze anos e se viu no meio da era de ouro da arte renascentista.
Em 1485, Botticelli pintou uma das pinturas mais icônicas do Renascimento, O Nascimento de Vênus, (8,14), baseada em uma antiga deusa do amor, e uma estátua grega de Medici tinha em sua coleção. De pé em uma concha depois de nascer do mar, Vênus está flutuando graciosamente em direção à costa. O deus do vento Zephyer a leva suavemente até a praia, onde um atendente a cumprimenta com um manto vermelho esvoaçante.
8.14 O nascimento de Vênus
8.15 Perto de Vênus
O fundo é irreal e não tem a profundidade vista na pintura de Maccacio, e uma ilusão emocionante, os corpos não aterrados na terra, parecendo flutuantes, pouco característicos dos artistas renascentistas. O corpo e o rosto sensuais (8,15) de Vênus, pintados em tons pastel suaves, carecem de profundidade, seu rosto melancólico, seus cabelos movidos pelo vento, todas pinturas temáticas incomuns de acordo com os padrões renascentistas.
Jheronimus van Aken (também conhecido como Hieronymus Bosch) (1450-1516) foi um dos primeiros pintores holandeses e conhecido pelas paisagens excêntricas e imagens detalhadas que retratam crônicas morais e religiosas. A obra mais famosa de Bosch é o Jardim das Delícias Terrestres, pintado em 1490. O tríptico, pintado em painéis de madeira de carvalho, é articulado com pintura em preto e branco na capa externa e uma representação colorida do céu, da terra e do inferno com os painéis abertos. A capa da pintura é em preto e branco (8,16) retratando a Terra como um globo, mas uma paisagem plana com nuvens se reunindo no topo, lembrando a atmosfera. Quando os painéis se fecham, as belas curiosidades coloridas pintadas no interior são inesperadas.
8.16 Exterior do Jardim das Delícias Terrestres 8.17 Painel Jardim das Delícias Terrestres
8.18 Jardim das Delícias Terrestres
Abrir as asas revela uma imagem radiante da terra (8,17), habitada por inúmeras pessoas nuas em todos os estados de poses engraçadas e sinistras. O Renascimento permitiu a liberdade de imagens religiosas, e a Bosch pegou a ideia e renderizou uma pintura inventiva e divertida tão antes de sua época, que poderia ter sido pintada hoje.
Quando o tríptico está aberto, o olho se move ao redor das imagens, as emoções em alerta máximo, como se estivessem vivendo em um sonho. Uma parte do painel (8,18) retrata pessoas comendo frutas gigantes, pássaros grandes voando, corridas de cavalos, tudo com imagens repulsivas e bonitas uma ao lado da outra. A pintura é uma composição de um mundo onírico, um mundo onde ninguém cresce ou tem responsabilidades. Em uma qualidade de pintura de ficção científica, o espectador é conduzido por um mundo imaginário entre o céu e o inferno. Hieronymus Bosch era um homem à frente de seu tempo; infelizmente, ele não deixou nenhuma palavra escrita sobre suas ideias, pinturas ou desenhos. A Bosch deixou o espectador passear e explorar por conta própria, o Jardim das Delícias Terrestres.
Leonardo di ser Piero da Vinci (também conhecido como Leonardo da Vinci) (1452-1519) é um dos mais famosos pintores, arquiteto, cientista, matemático, astrônomo, botânico, escritor, engenheiro, inventor, músico e escultor da Renascença. Leonardo Da Vinci nasceu em uma proeminente família toscana e se mudou para Florença aos dezessete anos para começar sua carreira artística. Leonardo se juntou à guilda de artistas e logo floresceu na atmosfera intelectual. Da Vinci saltou de patrono em patrono, pintando, desenhando e desenhando. Ele desenhou anatomia de cadáveres roubados, aprendendo como o corpo e o cérebro (8,19) funcionavam e desenhando imagens elaboradamente detalhadas dos elementos do corpo humano, incluindo um feto no útero (8,20). Leonardo tinha uma curiosidade insaciável pelo conhecimento, o que gerou milhares de desenhos nas ciências.
Leonardo Da Vinci deixou um grande corpo de desenhos de seus conceitos científicos para estudarmos. Pode-se imaginar Leonardo observando o mundo natural, observando cada detalhe e pensando em cada linha. Antes mesmo de levantar um pincel, Leonardo completou uma série de desenhos, preparando o cenário para a pintura real. Leonardo pintou apenas dezenove quadros em sua vida; no entanto, ele foi um prolífico ilustrador e escritor. Sua escrita italiana foi escrita ao contrário e pode ser facilmente lida na frente de um espelho.
8.21 Máquina voadora
Leonardo projetou e projetou uma grande variedade de ferramentas, máquinas e outras invenções conceituais. Um dos desenhos mais icônicos é o (8.22) Homem Vitruviano, desenhado em 1492, com tinta sobre papel, o homem cercado por um círculo baseado nas proporções humanas ideais. Nos diários de Leonardo, página após página descreve desenhos de máquinas voadoras, instrumentos musicais, bombas, canhões e muitos outros. A estrutura central do ornitóptero movido a energia humana (8.21) mostra uma estrutura leve projetada para permitir que uma pessoa voe. As asas mecânicas dão ao ornitóptero sua força de sustentação.
8.22 Homem vitruviano
LEITURA: Desenhos de Leonardo da Vinci
O trabalho de Leonardo ainda guia e inspira artistas, filósofos e cientistas séculos após sua morte. A genialidade do trabalho e a busca pelo conhecimento de Da Vinci o colocam no topo da lista dos grandes artistas de todos os tempos. O enigma da Mona Lisa (8.23) continua sendo um dos mistérios de Leonardo. Todo mundo quer saber quem ela era, é um autorretrato disfarçado, há números pintados em seus olhos, estão entre as muitas teorias sobre a pintura? Era para ser um retrato da esposa de um comerciante de tecidos, um retrato que Leonardo não deu ao comerciante. A imagem é pintada ao meio enquanto ela se senta em uma cadeira, vestida com roupas comuns. Há uma aparência de janela atrás dela enquanto ela exibe o sorriso emblemático. A maravilha completa da pintura é o que nos atrai para a pintura.
8.23 Mona Lisa
Albrecht Durer (1452-1519) foi um entalhador, pintor e gravurista alemão, estabelecendo uma reputação em toda a Europa quando tinha vinte anos. Durer criou um vasto conjunto de trabalhos com motivos clássicos e retratos religiosos, uma de suas gravuras mais famosas é Melencolia I, (8.24), uma composição alegórica com muitos temas icônicos. A gravura foi concluída em 1514 e incluía ferramentas de um carpinteiro, um quadrado mágico, uma ampulheta mostrando o tempo se esgotando, uma balança, uma bússola e a figura alada desanimada em primeiro plano com a cabeça apoiada na mão. Melencolia 1 está ligada à astrologia, teologia e filosofia, sugerindo que é um autorretrato do próprio artista, talvez uma ideia das limitações do reino terrestre e da incapacidade de imaginar estados avançados de contemplação conceitual.
Durer sempre acreditou que poderia alcançar proporções e medidas perfeitas em suas figuras e criou Adão e Eva (8,25) em posições idealizadas, cercados por animais, refletindo a perfeição. Durer usou milhares de linhas finas para desenvolver a imagem e depois adicionou seu nome na placa acima do ombro de Adam. Ele não fez a impressão como uma obra de arte final, mas uma impressão para ser reproduzida e distribuída anunciando sua habilidade, um anúncio renascentista.
8.24 Melencolia I 8.25 Adão e Eva
Michelangelo di Lodovico Buonarroti Simoni (também conhecido como Michelangelo) (1475-1564) nasceu durante a Alta Renascença, um dos artistas mais famosos como escultor, pintor, arquiteto, engenheiro e poeta. Sua genialidade e habilidades artísticas incomparáveis e seu estilo orgânico deram vida ao mármore, refletido em todas as estátuas que ele criou. Uma de suas primeiras grandes encomendas foi uma estátua da Pieta (8,26) para um dos altares laterais da igreja de São Pedro, em Roma. O escritor da época declarou: “Nenhum escultor (...) jamais poderia atingir esse nível de design e graça, nem poderia, mesmo com trabalhos manuais, terminar, polir e cortar o mármore com a mesma habilidade que Michelangelo fez aqui, pois nesta estátua todo o valor e poder da escultura são revelados”. As dobras de seu vestido parecem embalar o corpo sem vida de Cristo, um corpo esculpido em detalhes requintados e sublimes, seu rosto suave na morte.
David (8,27), uma das obras-primas mais impressionantes feitas de mármore branco brilhante da Carrera, foi a escultura mais massiva de Michelangelo, medindo 4,10 metros e exibindo um jovem perfeito, musculoso, contemplativo e pronto para a luta. Geralmente, a maioria dos artistas retrata David após a batalha com Golias, cuja cabeça está no chão. No entanto, David de Michelangelo é pego na tensa posição pré-batalha. Os detalhes esculpidos por Michelangelo (8,28) eram muito mais avançados do que outros escultores. Em suas mãos, os tendões são visíveis sob a pele, as veias escorrendo pelo braço. A expressão no rosto de David (8.29) está profundamente pensada na próxima batalha, invocando a coragem para que ainda expresse o véu macio do medo.
Michelangelo também foi um grande pintor, embora achasse que a pintura deveria ser deixada para outros; no entanto, ele sabia que tinha que pintar o teto da Capela Sistina (8h30) ou enfrentar a ira do papa. O teto tem mais de 20 metros de altura e Michelangelo projetou andaimes para que ele pudesse se levantar sob o teto curvo e pintar. Ele começou o trabalho em 1508, desenhando figuras e preparando o teto para os afrescos.
8.30 Capela SistinaO teto central consiste em nove painéis do Livro do Gênesis, começando da história da criação até Noé e o dilúvio. O painel central é a icônica mão estendida de Deus (8,31), dando vida a Adão, cujo dedo se estendeu até Deus, mas não muito tocante, criando o magnetismo entre o homem e Deus. A Sibila da Líbia (8,32) com suas características helenísticas é uma das figuras mais profundas no teto. Pintada com seu vestido laranja real, ela está levantando um livro grande da prateleira. Os poderosos braços e costas estão torcendo o corpo, fazendo com que suas roupas se dobrem à medida que fluem em torno de suas pernas, criando uma ilusão de tensão.
Para pintar o estilo do afresco, Michelangelo cobriu uma pequena parte do teto com gesso e depois a pintou no gesso úmido, que secou em alguns dias, revelando a imagem final. Uma e outra vez, Michelangelo pintou enquanto descia lentamente pelo teto, quatro longos anos no andaime, com o pescoço virado para cima até completar o afresco de teto mais icônico do mundo.
Em 1979, a restauração começou na Capela Sistina para limpar e reparar os afrescos do teto e recondicioná-los à sua glória anterior, conforme revelado pela primeira vez por Michelangelo. O processo de restauração começou em 1980 para limpar a fuligem e a sujeira de 500 anos e reparar rachaduras no gesso, um processo complexo que não foi concluído até 1994. A imagem (8,33) de Daniel no lado esquerdo é como a imagem apareceu após 500 anos de sujeira, e à direita é o resultado do processo de restauração para restabelecer a beleza original. O legado de Michelangelo continua bem além do Renascimento, e ele continua sendo lembrado como um dos maiores artistas de todos os tempos.
Raffaello Sanzio da Urbino (também conhecido como Raphael) (1483-1520) foi um pintor italiano que viveu em Florença, contemporâneo de Leonardo e Michelangelo. Embora tenha morrido aos trinta e sete anos de idade, ele deixou uma grande quantidade de trabalho. Rafael contratou a pintura das paredes da biblioteca do Vaticano, um prédio ao lado da Capela Sistina, onde Michelangelo pintava simultaneamente o teto da capela. A biblioteca era uma pequena sala, e Raphael pintou um afresco alegórico diferente em cada parede representando os quatro ramos do conhecimento humano: filosofia, teologia, poesia e justiça, um em cada parede.
A primeira pintura na parede leste, Rafael, pintou a famosa Escola de Atenas (8.34), retratando o conhecimento do futuro. No centro da pintura, Aristóteles em azul e marrom e Platão em vermelho e roxo, segurando seus livros, parecem estar avançando. No canto inferior esquerdo, Pitágoras está demonstrando a importância da matemática. Há estátuas de deuses gregos antigos em ambos os lados dos grandes tetos em caixotões que ligam a antiguidade ao Renascimento. A segunda pintura na parede oeste, The Dispute (8.35), representa a teologia dividida horizontalmente em vida terrena e vida celestial. Na metade superior, Cristo é retratado em um banco de nuvens, cercado por santos. As figuras espirituais na parte inferior representam papas, sacerdotes e líderes da igreja, reunindo o conhecimento celestial por meio da hóstia divina.
A terceira pintura na parede sul, As Virtudes Cardinais e Teológicas (8.36), ilustra as qualidades cardeais personificadas por três mulheres: Fortaleza, Prudência e Temperança. Fortitude está segurando um galho de um carvalho sacudido pelo cupido, Charity. Prudence está olhando em um espelho mostrando duas faces com o cupido Hope segurando uma tocha, e Temperance está guardando o cupido Faith. A quarta pintura na parede norte, O Parnassus (8.37), ilustra a Montanha Parnassus, onde Apolo reside. Vinte e sete pessoas da Grécia flanqueiam Apollo, que está no centro sob um loureiro, tocando um instrumento musical. As nove musas que retratam a arte, nove poetas da antiguidade e nove poetas contemporâneos flanqueiam Apollo.
Todas as quatro pinturas juntas contam a história da jornada para o período renascentista. A harmonia composicional é aparente em todos os afrescos, e o contraponto visual dos diferentes grupos de pessoas cria um conjunto superior de afrescos. Todos esses afrescos demonstram a abordagem única e ilustrativa de Raphael à pintura.
Properzia de Rossi (1490-1530) foi uma escultora italiana cujo talento surgiu em tenra idade. Como era difícil para as meninas encontrarem algum treinamento, exceto para administrar uma casa, de Rossi aprendeu a esculpir caroços de pêssego e damasco, um material incomum para qualquer pessoa. As pequenas esculturas geralmente se baseiam em temas religiosos, e depois de esculpir sua cena intrincada da crucificação em um caroço de pêssego, seu talento foi reconhecido, ela recebeu treinamento em mármore na universidade. Ela adquiriu uma encomenda para um painel em baixo-relevo e esculpiu a esposa de Joseph e Potifar (8,38) mostrando seu talento para esculpir mármore, um talento pouco recebido por outros artistas que frequentemente a desacreditavam.
8.38 A esposa de José e PotifarSofonisba Anguissola (1532-1625) teve a sorte de fazer parte de uma família da nobreza que acreditava no treinamento para as artes. Durante esse período, a maioria das mulheres não podia se tornar aprendiz de um artista mestre e teve que aprender com um membro da família. No entanto, seu pai conseguiu encontrar um artista que a treinou em pintura e na importância do design. Uma carta escrita por seu pai descrevia como ela teve a sorte de conhecer e talvez estudar com Michelangelo. Ela pintou mais de doze autorretratos, uma imagem marcante para um artista desse período. Em um autorretrato inicial (8,39), ela se retrata pintando a Madonna e a criança, embora tenha parado no meio do traço e parecendo ter sido interrompida. Seu autorretrato posterior (8,40) foi pintado quando ela tinha setenta e oito anos, ainda mestre em retratos.
Como artista feminina, Anguissola não tinha acesso a modelos masculinos e frequentemente usava seus familiares para pintar retratos de grupo. Ela pintou seus outros irmãos em The Chess Game (8.41), uma irmã olhando para fora, o sorriso sutil em seu rosto parece dizer que eu ganhei o jogo. A atenção de Anguissola aos detalhes envolveu a mudança de texturas das roupas de brocado, cadarços delicados e cabelos perfeitamente trançados. Esses retratos de família e seus autorretratos, a atenção à elegância pintada nas roupas e sua perfeição vista nos rostos ajudaram Anguissola a construir sua reputação. Quando tinha apenas vinte e seis anos, foi convidada para se tornar pintora na Corte Espanhola, passando vários anos criando pinturas oficiais da corte da realeza e de outros dignitários. Usando cores suaves e mais escuras, o retrato oficial de Filipe II da Espanha (8,42) mostra a renda delicada em volta do pescoço e os botões perfeitos em seu vestido, uma indicação de sua carreira de sucesso.
Lucia Anguissola (1536 ou 1538 — 1565 a 1568) foi a irmã mais nova de Sofonisba Anguissola, ambas receberam educação em humanidades e artes e se tornaram pintoras. Infelizmente, Lucia morreu aos trinta anos e não teve a oportunidade de estabelecer um extenso portfólio. O homem da pintura é Retrato de Pietro Manna (8.x), que se acredita ser um parente da família Anguissola. Ele foi pintado com uma paleta limitada com tons de marrom e cinza, um senso de personalidade em seu rosto demonstrando a capacidade de Anguissola como artista.
Tiziano Vecelli (também conhecido como Ticiano) (1490-1576) foi um pintor italiano e parte da escola de arte veneziana. Ticiano é conhecido por seu uso dinâmico de cores, renderizando tecidos bonitos e realistas em suas pinturas. A Assunção da Virgem (8,44) tem 23 pés de altura e é um dos maiores retábulos de Ticiano. Auxiliada por anjos, Maria está se movendo do mundo terrestre para o mundo celestial. As figuras grandes na parte inferior da pintura têm as mãos estendidas, como se estivessem tentando ajudar Maria em sua ascensão ao céu. O encurtamento de Maria é renderizado de forma requintada, olhando para as nuvens, e ela é cercada por um halo de luz dourada luminosa.
Um pintor veneziano, Jacopo Robusti (também conhecido como Tintoretto) (1518-1594), foi um dos grandes pintores maneiristas italianos do Renascimento. Tintoretto frequentou a escola de arte veneziana e foi influenciado por Michelangelo, Vasari e Giorgione quando pintou (8.45) A descoberta do corpo de São Marcos. Uma das primeiras pinturas de Tintoretto mostrou o domínio do desenho e da pintura com o uso da perspectiva de um ponto.
Olhando para a arte, parece que o espectador poderia entrar na pintura e descer pelo longo corredor. O uso requintado da luz iluminando o corpo, atraindo os olhos para o canto esquerdo e viajando para cima para ver uma figura nobre está apontando para as pessoas para impedi-las de invadir tumbas ainda. Na parte de trás da foto estão duas figuras abrindo o túmulo, encontrando o corpo de São Marcos e arrastando-o para fora. Com o colapso do tempo e do espaço, os espectadores veem São Marcos deitado no chão em primeiro plano; e São Marcos também a figura nobre em pé na frente esquerda, gesticulando para que as pessoas parem de invadir os túmulos. O longo corredor da tumba é escuro; no entanto, os detalhes arquitetônicos são iluminados com a menor luz, o que lhe confere profundidade extrema e os efeitos dramáticos da perspectiva. A pintura foi concluída em 1566 e faz parte de um ciclo de pinturas para o padroeiro São Marcos de Veneza.
A era do Renascimento foi um dos períodos mais importantes para o desenvolvimento da consciência humana, do individualismo e da autoconsciência, um contraste ousado com a Idade Média que dominou a Europa por séculos. O Renascimento iniciou a conversa sobre ciência, arte, matemática, engenharia e avanço cultural. Foi um período de rejuvenescimento da antiguidade, uma época em que a inovação impulsionou o movimento artístico.