1.5: Como comparar e contrastar arte
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Comparar pinturas modernas e pinturas históricas traz uma compreensão de como o passado influencia o presente. Aprender os elementos da arte, do design e dos métodos artísticos ajudará você a se comunicar e escrever com uma nova linguagem para comparar e contrastar a arte. Neste livro didático, compararemos e contrastaremos imagens comuns de cavalos, figuras, girassóis e pontos. Como uma nova linguagem, ela se torna mais familiar quanto mais termos são usados nas descrições escritas. Ver arte é a base para aprender a escrever ensaios descritivos. Quanto mais você olha, mais informações começa a ver, como as marcas do pincel. Fazer perguntas a si mesmo sobre as marcas do pincel pode ajudá-lo a definir o tipo de arte que você está vendo: O impressionismo usa marcas largas significativas com placas de tinta visíveis. Já os artistas renascentistas usavam tinta a óleo com marcas de pincel quase escondidas, dando uma aparência realista à pintura. Essas observações ajudarão você a decidir a que período da pintura artística pode pertencer quando você não sabe a resposta.
Comparando cavalos
As duas pinturas, Relay Hunting (1.9) e Foundation Sire (1.10) foram criadas com 170 anos de diferença, mas são tão realistas quanto as fotografias tiradas ontem. Em casos semelhantes, os cavalos predominantemente se afastam do espectador, exibindo patas traseiras robustas e músculos tensos. O sol brilhante marca suas pelagens, refletindo destaques e enfatizando a estrutura muscular dos animais. Ambos os artistas retratam os cavalos de forma realista, fazendo com que o espectador dê uma segunda olhada nos detalhes requintados dos cavalos e dos arredores.
Em pinturas realistas, os dois artistas se concentraram nos detalhes com base no estudo da anatomia do cavalo. Rosa Bonheur, que pintou os três cavalos em Relay Hunting (1.9), na verdade foi às fábricas de processamento de carne e estudou a anatomia dos cavalos enquanto dissecava os animais. A maioria dos artistas estuda anatomia humana como parte de sua educação. Compreender a estrutura muscular e óssea do corpo beneficia a capacidade dos artistas de desenhar pessoas e animais realistas.
1.13 Estudo de cavalos, Leonardo
A representação dos cavalos ao longo do tempo humano começou na parede da caverna, Imagem do Cavalo (1.11). Vemos cavalos imortalizados em estátuas de bronze, capturados em filme ou desenhados em Estudo de Cavalos (1.13). Pintado em cavalos azuis (1,14), gravado em Cavaleiro, Morte e Diabo (1,12) e colorido. Os cavalos têm sido um meio de transporte por milhares de anos, e a imagem equina tem sido um retrato tradicional ao longo dos tempos. Essas fotos de diferentes tipos de cavalos demonstram que eles podem ser desenhados ou pintados em vários tipos de estilos. Os detalhes gravados no Cavaleiro, Morte e o Diabo (1,12) estabelecem o artista como uma pessoa orientada aos detalhes, em oposição aos Cavalos Azuis (1,14), que tem um estilo de pintura mais solto e cores mais ousadas.
Comparando números
À primeira vista, O Nascimento de Vênus (1,15) e Rara Avis 19 (1,16) parecem completamente diferentes um do outro, ou são? Vamos examinar mais de perto essas duas figuras: qual é o único objeto em ambas as pinturas que é semelhante? A mulher no centro! Ambas as poses são semelhantes, sem expressão, exceto o que o espectador lê nela, e elas não exibem nenhum movimento, uma pose muito estática com pernas e pés alongados. Nenhum dos artistas dá peso ao corpo nem usa qualquer tipo de espaço de perspectiva profunda. Ambas as figuras têm uma pose impossível, a mudança de peso sobre um quadril. Ambos parecem estar emergindo da água como se tivessem nascido do mar.
Ambos são coloridos e têm a impressão de um fundo: terra, mar e árvores. No entanto, essas duas pinturas têm mais de 500 anos de diferença, o Nascimento de Vênus de Sandro Botticelli em 1486 e Rara Avis 19 de Jylian Gustlin em 2014. Botticelli pintou a óleo sobre tela, e sua Vênus é indiferente e desinteressada em seus arredores. Gustlin trabalha com tintas acrílicas e a óleo a bordo, usando os efeitos das camadas para obter suas pinturas distintas e intrincadas. As figuras na paisagem frequentemente mostram uma figura temperamental e taciturna, mas, ao mesmo tempo, retratando uma sensação de futuro. Uma figura colocada em uma tradução literal e a outra em uma visão moderna, mas cada uma escapa da realidade.
Comparando girassóis
Essas duas peças de arte exibem o lindo girassol no auge de sua floração. As pétalas amarelas se abrem em direção ao sol, oferecendo sementes aos pássaros que passam. O toque de cor marrom nas folhas diz ao espectador que o clima de outono está chegando. Essas duas peças de arte têm cerca de 140 anos de diferença, uma é pintada e a outra é em tecido pintado. Os girassóis (1,17) no vaso são de Vincent Van Gogh em 1887, e a colcha de girassol (1,18) é de um quilter desconhecido, 2004.
As duas peças têm muitos componentes semelhantes, por exemplo, as cores dos girassóis são amarelas, vagens marrons nos centros, ambas as fotos preenchem o espaço e ambas pintadas. As diferenças são mais significativas porque os girassóis acolchoados contrastam muito com o tecido marrom escuro; as flores do vaso estão contra um fundo azul claro. A colcha mostra flores dispostas no espaço, não ancoradas em caules ou em um vaso, como visto na pintura.
O processo de pintura também é diferente. Van Gogh pintou seus girassóis em tela com tintas a óleo. O tecido de colcha pintado tornou-se a paleta para os girassóis com principalmente amarelos, com marrons, verdes e laranjas em uma variedade aleatória de cores para destaques, cortados em folhas individuais e dispostos no tecido de fundo. Ambas as peças são obras de arte semelhantes criadas em diferentes períodos com materiais diferentes.
Comparando pontos
Pontos ou pontos são formas primárias únicas na arte. Na arte, os pontos podem ser um ou muitos milhares de pontos abstraídos em imagens que podemos ou não reconhecer. Os pontos podem estar distantes ou próximos, cores diferentes, monocromáticos ou de uma única cor. Todos os desenhos começam com um único ponto a partir da ponta do lápis e, à medida que o lápis se move, ele se torna uma linha contínua de pontos, tornando o ponto um dos elementos essenciais da arte.
Os pontos se tornam o ponto focal da arte, e o espaço entre os pontos é tão crucial quanto o próprio ponto. O ponto pode causar tensão ou harmonia, dependendo da cor, do tamanho e da proximidade do ponto de outro ponto. Quando os pontos são colocados mais próximos, eles começam a se tornar um objeto, uma forma reconhecível.
Yayoi Kusama (nascida em 1929) é considerada a “Princesa das Bolinhas” usando bolinhas grandes e distintas em suas duas esculturas Flores (1,19) e A Vida é o Coração de um Arco-Íris (1,20). São bolinhas vermelhas e brancas que cercam as árvores ou a sala inteira. As bolinhas são círculos distintos, especialmente na sala, pois estão distantes e apenas em duas cores contrastantes. As árvores envoltas em vermelho com bolinhas brancas estão mais próximas, mas ainda são distintas em vários tamanhos no alto contraste. Os pontos não se tocam e o espaço negativo entre eles tem aproximadamente o mesmo tamanho por toda parte.
George Seurat desenvolveu uma técnica de pintura com pequenos pontos coloridos chamada Pontilhismo, como era quando se afastou do impressionismo. O pontilhismo depende de pequenos pontos de cor que se misturam na mente do espectador, criando uma cena grande. De perto, cada ponto colorido e marca de pincel são visíveis; no entanto, quando o espectador recua vários metros, o espectador se surpreende com uma pintura realista. A peça em grande escala, A Sunday Afternoon on the Island of La Grande Jatte (1.21), transformou a arte na virada do século XX e inspirou artistas a trabalhar com pontos.
As três pinturas são todas criadas a partir de pontos, pequenos pontos, pontos grandes, pontos coloridos na tela, nas paredes, suspensos no teto ou suspensos no espaço. O tamanho e a cor do ponto são importantes e podem proporcionar ao espectador uma experiência completamente diferente.
A arte está em todo lugar que você olha, tudo o que você veste, e arte é beleza. Basta dar uma olhada...