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13.8 : Surréalisme

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    Max Ernst

    1891

    Surréalisme

    Joan Miro

    1893

    Surréalisme

    Léonora Carrington

    1917

    Surréalisme

    Rene Magritte

    1898

    Surréalisme

    Salvador Dali

    1904

    Surréalisme

    Marc Chagall

    1887

    Surréalisme

    Frida Kahlo

    1907

    Surréalisme

    Kay Sage

    1898

    Surréalisme

    Le surréalisme est devenu un mouvement culturel, à partir du début des années 1920, illustrant la différence entre les rêves et la réalité. L'œuvre est particulièrement visuelle et peinte avec une précision photographique dans des situations inattendues. Le mouvement était basé sur la libération de l'imaginaire de l'artiste de son subconscient. Influencé par les études sur les rêves de Sigmund Freud, l'art a utilisé des méthodes freudiennes de libre association pour produire des images fantaisistes inattendues et surprenantes. Le surréalisme a également été influencé par Karl Marx, un philosophe allemand qui a écrit Le Manifeste communiste et Das Kapital.

    Le surréalisme a été interprété comme le « bac à sable pour l'esprit subconscient »

    Max Ernst (1891-1976) était un peintre allemand et l'un des principaux pionniers du mouvement surréaliste. Quand il était jeune, il étudiait la philosophie mais ne voulait que peindre. Forcé de rejoindre l'armée allemande pendant la Première Guerre mondiale, il est devenu très critique à l'égard de la civilisation moderne et a développé ses concepts de fantasme et de rêve, devenant ainsi l'un des premiers partisans du surréalisme. L'Ange du Foyer (L'ange du feu) (13.83) a été peint en réponse au déclenchement de la Seconde Guerre mondiale, sur la base d'un incident politique en Espagne. L'ange du feu est une figure destructrice qui tente de détruire l'humanité. La figure trop abstraite remplit toute la toile d'un ciel et d'un paysage un peu sombres et sombres. L'utilisation audacieuse du rouge et du bleu réunit l'action, laissant l'imagination du spectateur au sens subtil de l'œuvre. Ubu Imperator (13,84 ans) apparaît sous la forme d'une cime rouge de fer, traversant le paysage vide, les mains tenues dans une sorte de réaction émotionnelle.

    L'Ange_du_Foyeur.jpg
    13.83 L'Ange du Foyer
    Imperator Ubu
    13.84 Ubu Imperator

    Joan Miró (1893-1983) était un peintre et sculpteur espagnol originaire de Barcelone, en Espagne, qui croyait que son travail était une recréation de son subconscient, évitant les méthodes de peinture traditionnelles. Miro's Horse, Pipe, and Red Flower (13,85) est un collage inspiré de ses débuts de carrière et est toujours influencé par le cubisme. Un certain nombre de petits groupes envahissent la composition globale tandis que les couleurs éclatent de différentes zones de la peinture, chaque symbole conservant sa forme de base au lieu des pièces et des parties du cubisme. Dona I Ocell (Femme et oiseau) (13,86) est une sculpture en béton et en tuiles aux couleurs vives de vingt-deux mètres de haut. La sculpture reflète les thèmes fréquemment utilisés par Miró, à savoir les femmes et les oiseaux, et se dresse près de la mer à Barcelone.

    Cheval, pipe et fleur rouge
    13.85 Cheval, pipe et fleur rouge
    Dona I Ocell
    13.86 Dona I Ocell

    Leonora Carrington (1917-2011) est née en Angleterre et a finalement déménagé à Mexico en tant que peintre, écrivaine et militante. Issue d'une famille aisée, elle était bien éduquée et lisait notamment des livres sur les nouveaux concepts du surréalisme, bien que sa famille ne l'ait pas encouragée à devenir artiste. Elle a rencontré Max Ernst, qui a quitté sa femme pour rejoindre Carrington, l'encourageant à poursuivre sa carrière d'artiste. The Inn of the Dawn Horse (13.87), autoportrait, représente Carrington assise sur une chaise dans un cadre inhabituel, peut-être un rêve, la main tendant la main vers la hyène en mouvement. Après l'arrestation d'Ernst par les nazis, elle a quitté la France, a souffert d'une dépression et a été hospitalisée pendant trois ans avant de se rendre au Mexique. Toujours intéressée par les animaux et le mysticisme, Crocodrilo (13,88) est une statue qu'elle a créée à partir de sa peinture antérieure de crocodiles surréalistes.

    L'auberge du Dawn Horse
    13.87 L'auberge du cheval de l'aube
    Crocodrilo

    13.88 Crocodrilo

    René Magritte (1898-1967) était un artiste belge connu pour ses perceptions inhabituelles de la réalité. Le processus de peinture de Magritte dépeint l'utilisation d'objets dans différents contextes. L'Empire de la lumière (13,89) illustre le concept de jour basé sur le ciel bleu ; cependant, la moitié inférieure est remplie de rue sombre bordée d'un seul lampadaire apparaissant comme la nuit, même certaines fenêtres sont éclairées, ce qui ajoute à l'impression de soirée ; le tableau image paradoxale du jour par rapport à la nuit. Les peintures de Magritte laissent le spectateur se demander « qu'est-ce que cela signifie réellement ». Le célèbre tableau de Magritte, The Treachery of Images (13.90), était une image simple suscitant une controverse continuelle. Les mots sous le tuyau indiquent « Ceci n'est pas un tuyau », mais il semble que ce soit un tuyau. Magritte a soutenu que s'il disait qu'il s'agissait d'une pipe, il mentirait, car il ne s'agit que d'une représentation d'une pipe.

    Empire de la lumière
    13.89 L'Empire de la lumière
    La trahison des images
    13.90 La trahison des images

    Salvador Dalí (1904-1989) était l'artiste surréaliste espagnol le plus célèbre, et son œuvre la plus connue est La persistance de la mémoire (13.91), peinte en 1931. L'utilisation d'objets du quotidien dans des circonstances inhabituelles est un rêve, et Dalí met en lumière ce qui est essentiel. Les horloges représentent-elles le temps ? La distorsion des rêves devient réalité lorsqu'ils sont peints, les fourmis attirées par le métal plutôt que par la chair, les objets durs se plient bizarrement, l'étrange créature posée au centre, comment cela est-il perçu lorsqu'on est éveillé ? En 1954, Dalí a peint La désintégration de la mémoire persistante (13,92) pour recréer son œuvre originale ; cependant, dans cette œuvre, l'eau inonde la zone et les formes et les pièces flottent, sans être attachées les unes aux autres. Même sur l'arbre mort, les montres commencent à fondre. Dalí s'est intéressé aux théories de l'énergie atomique, aux propriétés de la nouvelle énergie nucléaire et à sa destruction potentielle.

    Persistance de la mémoire
    13.91 Persistance de la mémoire
    La désintégration de la mémoire persistante
    13.92 La désintégration de la mémoire de persistance

    Dalí s'est toujours intéressé aux mathématiques et aux sciences tout en maintenant ses opinions religieuses, croyant qu'elles étaient compatibles. Corpus Hypercubus (13.93) est une image biblique standard de la crucifixion, uniquement réinventée. Le corps est en parfait état, aucune trace de blessure, le visage tourné vers le haut et vers l'extérieur, des images de Dalí et de sa femme vues sur les genoux du personnage. Au lieu de la croix plate habituelle, l'image est apposée sur un hypercube à la fin d'un bloc. La femme levant les yeux vers la silhouette flottante se tient debout sur un damier, répétant l'image de blocs. La grande sculpture, Rinoceronte (13,94), représente un rhinocéros vêtu de dentelle qui joue avec des oursins. Dalí s'est inspiré d'un tableau de Vermeer représentant une femme cousant accroché dans la maison de son père.

    Corpus Hypercube
    13.93 Corpus Hypercube
    Rinoceronte
    13.94 Rinoceronte

    Marc Chagall (1887-1985) était un artiste russe qui s'est rendu à Paris pour fréquenter une école d'art. Half-Past Three (13,95) a été peint par Chagall quelques mois après son arrivée à Paris et montre les concepts du cubisme alors que Chagall passait au surréalisme. Le poète fragmenté au costume bleu est assis à une table rouge dans un chaos ordonné. La composition est équilibrée avec le coude du poète posé sur la table rouge et un carnet ouvert sur ses genoux, le stylo dans la main de l'homme reposant confortablement, attendant que l'énergie créatrice coule. Chagall était ami avec un poète russe qui passait tous les matins pour prendre un café, l'image suggérant que son ami attendait que la muse coule.

    Pendant qu'il vivait à Paris, Chagall a utilisé l'idée de sa vie en Russie et a représenté de multiples images de personnages flottant dans les peintures. Dans Paris Through the Window (13,96), le personnage dans un coin regarde dans les deux sens, peut-être à Paris et en Russie. Par la fenêtre, faites flotter les expériences oniriques qu'il a vécues à Paris. The Fiddler (13,97) représente le petit village de Chagall en Russie, un violoneux debout sur la maison en face du hameau rustique.

    Trois heures et demie
    13.95 Trois heures et demie
    12.61 Paris par la fenêtre
    13.96 Paris par la fenêtre
    Violoniste
    13.97 Violoniste

    Cette peinture représente un violoneux dans le village de Chagall, à Vitebsk. Chagall utilise le violoniste pour créer une image de la bataille interne d'un individu moyen, qui est accentuée par son choix de couleurs et d'autres éléments. Créé à une époque où la nostalgie dominait ses pensées, le tableau met en lumière son héritage culturel et religieux à travers l'image d'un violoniste dansant dans un village rustique. L'image du violoneux de Chagall a inspiré la célèbre comédie musicale Fiddler on the Roof de 1964, qui a détenu le record de la plus longue comédie musicale de Broadway depuis près de dix ans.

    Frida Kahlo (1907-1954) était une célèbre peintre mexicaine connue pour ses autoportraits, son mariage avec Diego Rivera et l'endurance incessante des douleurs physiques causées par les accidents. Mettant en évidence ses racines mexicaines dans ses peintures, Kahlo a peint sa réalité plus que ses rêves en tant qu'artistes surréalistes. Souffrant de blessures à vie à la suite d'un accident de la circulation et de multiples interventions chirurgicales pour réparer sa colonne vertébrale, elle a peint depuis son lit ou une chaise de sa chambre. Isolée la plus grande partie de sa vie, les autoportraits ont permis à Kahlo de montrer sa douleur. Dans le tableau Autoportrait avec collier d'épines et colibri (13,98), le collier épineux lui perce le cou, faisant couler du sang sur son cou, ce qui représente une blessure physique, mais son expression calme montre sa tolérance face à la douleur. Le colibri symbolise généralement la liberté et la vie, mais il est peint en noir et sans vie. Le singe sur son dos représente peut-être l'échec de son mariage avec Rivera. Le tableau est l'un des 55 autoportraits que Kahlo a peints au cours de sa vie.

    Autoportrait avec collier en épines et colibri
    13.98 Autoportrait avec collier d'épines et colibri

    Les Deux Fridas (13,99) ont été peintes après son divorce, deux images de Kahlo, l'une vêtue d'une robe traditionnelle et le cœur brisé, et l'autre de Kahlo vêtue de vêtements modernes. Toutes deux ont un cœur visible, l'un coupé par des ciseaux et saignant, le ciel sombre et inquiétant, un tableau qui, selon beaucoup, représentait sa tristesse après le divorce. Lors de son accident dévastateur, Kahlo a blessé de nombreuses parties de son corps, The Wounded Deer (13.100) symbolisant les multiples blessures alors que le visage reste serein. Seuls les troncs d'arbres sont visibles, aucun feuillage, une branche cassée peinte en détail repose sur le sol.

    Les deux fridas
    13.99 Les deux fridas
    Le cerf blessé
    13h100 Le cerf blessé

    Kay Sage (1898-1963) était une Américaine issue d'une famille aisée qui a étudié l'art à l'école et en Europe. Après dix ans de mariage et de divorce avec un prince italien, elle a déménagé à Paris et a été exposée et inspirée par le surréalisme. Lorsque la Seconde Guerre mondiale a éclaté, elle est retournée aux États-Unis, encourageant d'autres artistes à venir et à échapper à la guerre. La plupart des peintures de Sage étaient basées sur des structures architecturales, qu'il s'agisse de ruines en décomposition ou de sites célestes. Danger, Construction Ahead (13.101) apparaît sous la forme d'un paysage lunaire, le pont reliant la ville moderne à la ville voisine tandis que Unusual Thursday (13.102) apparaît comme une vieille scène délabrée, le pont ne s'étendant nulle part.

    Danger, construction à venir
    13.101 Danger, construction à venir
    Jeudi insolite
    13.102 Jeudi insolite

    Pablo Picasso est connu pour son travail en tant que leader et peintre du cubisme, mais il a vécu une longue vie et l'une de ses peintures les plus célèbres est le style surréaliste, Guernica (13.103). Inspirée de la guerre civile espagnole, la peinture en noir, blanc et gris est considérée comme l'une des œuvres les plus importantes illustrant la destruction et la douleur de la guerre : le cheval corné, les flammes, les mutilations et le désespoir. Le tableau ne précisait aucun emplacement particulier et est devenu aujourd'hui un symbole intemporel de la souffrance et de la désolation brutale de la guerre.

    Guernica
    13.103 Guernica