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13.4 : Photographie

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    166672
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    Photographe

    Focus sur le sujet

    Format général

    Ansel Adams

    Nature, Paysage

    Imprimés

    Parcs Gordon

    Mode, Pauvreté, Sports, Portraits

    Photos de magazines, Documentaire

    Dorothée Lange

    Enjeux sociaux

    Documentaire

    Marguerite Bourke-White

    Questions sociales, correspondant de la Seconde Guerre mondiale

    Photos de magazines

    Alfred Stieglitz

    Figurines, Peintures originales

    Estampes, Exposition

    En regardant une photographie d'Ansel Adams dans le centre d'accueil du parc national de Grand Teton et en admirant les emblématiques Tetons et la rivière Snake (13,48) datant de 1942, on essaie de penser à une randonnée à travers les sommets magiques des Tetons, à marcher sur les traces d'Adams et à essayer de visualiser le des images qu'il a habilement capturées. Ansel Adams (1902-1984) était l'un des photographes américains les plus célèbres et un écologiste dévoué. À l'aide de films en noir et blanc pour capturer les paysages des précieux parcs nationaux américains, il a contribué à la préservation de milliers d'hectares de terres. Né à San Francisco, en Californie, et suivant l'attachement de son père aux idées de Ralph Waldo Emerson, il a compris la beauté du paysage naturel de son quartier et a développé une appréciation de l'environnement qui allait devenir sa priorité toute sa vie.

    « Mener une vie modeste et morale guidée par une responsabilité sociale envers l'homme et la nature » — Ralph Waldo Emerson

    Tetons et la rivière Snake
    13.48 Tetons et la rivière Snake

    Dans les années 1920, Adams a commencé sa carrière dans la photographie en suivant le mouvement de photosécession du célèbre photographe Alfred Stieglitz. Dans les jours qui ont précédé Photoshop, ce qui était filmé était la photographie. L'art de la photographie était entre les mains et les yeux de l'artiste, et Adams avait le don de la patience. Un photographe ne peut pas se contenter de marcher jusqu'au Half Dome de Yosemite Park et de prendre une belle photo. Il faut des heures, voire des jours, pour capturer l'image souhaitée en fonction de la lumière parfaite à la bonne saison. Dans les années 1930, Adams a beaucoup voyagé pour prendre des photos, son travail démontrant le niveau d'expérience d'un maître. Il a produit des livres de ses photographies ; le livre Taos Pueblo (13,49) était une illustration de l'ouest des États-Unis et l'un de ses livres les plus inspirants. Le papier à l'intérieur du livre a été créé de manière à ce qu'Adams puisse imprimer directement sur le papier en produisant une gamme de tons extraordinaire sur une surface mate.

    13.49 Taos Pueblo
    13.49 Taos Pueblo
    13h50 Soirée au lac McDonald
    13h50 Soirée au lac McDonald
    Feuilles au parc national de Glacier
    13.51 Feuilles au parc national des Glaciers

    Au début des années 1940, Adams a passé un contrat avec le ministère de l'Intérieur pour prendre des photos des parcs nationaux américains. En soirée sur le lac McDonald (13h50), il a capturé une image du lac du parc national des Glaciers lors d'une pause momentanée dans les nuages. Leaves at Glacier National Park (13.51) est un gros plan détaillé de la structure foliaire depuis l'un des arbres du parc. Adams a photographié la nature pendant près de soixante ans et a remporté de nombreux prix pour ses images spectaculaires et sa contribution à la conservation.

    Gordon Parks (1912-2006) était un autre photographe et réalisateur américain surtout connu pour ses essais photographiques pour Life Magazine. Parks a grandi dans une ferme du Kansas et a fréquenté une école séparée. Ses parents sont morts alors qu'il était adolescent et il était dans la rue pour se débrouiller seul. En achetant son premier appareil photo chez un prêteur sur gages à l'âge de 25 ans, Parker a commencé à prendre des photos de la vie quotidienne à Chicago. American Gothic (13,52) est un portrait d'Ella Watson, qui a travaillé pour le personnel de conciergerie du bâtiment de la FSA. L'original American Gothic (13,53) de Grant Wood est clairement représenté sur la photographie de Parks, une parodie visant à démontrer l'inégalité en Amérique. La photographie de Parks montre une mère noire célibataire tenant à la fois une serpillière et un balai, qu'elle utilisait quotidiennement pour nettoyer les bureaux. Le mouvement des droits civiques aux États-Unis était en cours pour donner des droits à tous les Américains. La dernière photo montre Ella Watson et sa famille (13,54 ans) à la maison après avoir fait le ménage toute la nuit, assis dans les espaces exigus de son espace.

    13.52 Gothique américain
    13.52 Gothique américain
    Gothique américain
    13.52 Gothique américain
    Ella Watson et sa famille
    13.54 Ella Watson et sa famille

    Migrant Mother, icône de la dépression américaine, est l'une des photographies les plus connues de Dorothea Lange (1895-1965). Née dans le New Jersey, elle a contracté la polio à un jeune âge, ce qui lui a endommagé la jambe droite et l'a obligée à boiter le reste de sa vie. La santé de Lange a contribué à ses photographies spectaculaires, car elle a pu rester assise immobile pendant des heures au même endroit. Elle ne s'est jamais pressée et n'a jamais allié son courage, et elle a capturé certaines des plus belles photographies d'Amérique.

    13.55 Mère migrante
    13.55 Mère migrante
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    13.56 Manzanar

    Migrant Mother (13,55 ans) était une série de photographies prises alors qu'elle était en mission pour l'administration de la réinstallation du bureau de l'administration de la sécurité agricole. Lange était à Nipomo, en Californie, lorsqu'elle a remarqué une mère avec plusieurs enfants dans une tente. Elle a pris cinq photos, chaque fois plus proches que la précédente, jusqu'à ce qu'elle produise la photographie finale et le témoin oculaire de l'histoire.

    Manzanar (13,56 ans) était l'un des camps d'internement japonais basés sur le décret 9066. Le président Roosevelt a autorisé à expulser et à emprisonner de force des Américains d'origine japonaise. Lange a été engagé pour photographier l'énorme projet de relocalisation et le présenter comme une nécessité pour répondre aux exigences de la guerre américaine. Lange ne partageait pas la même opinion que le gouvernement et a eu du mal à justifier son travail, l'incitant à saisir la souffrance et la misère des citoyens américains dans les camps. Le travail de Lange a été refusé et n'a été publié que 40 ans plus tard dans un livre après sa mort. Lange ne s'est pas éloigné de l'injustice et a photographié les vraies histoires.

    Margaret Bourke-White (1904-1971) est une autre grande photographe américaine. Elle est surtout connue pour ses photos prises en Union soviétique et en tant que première photographe de guerre étrangère. Née à New York, elle s'intéresse à la photographie dès son plus jeune âge et elle a travaillé dans un studio de photographie commerciale après l'université. Bourke-White a été la première femme à voler dans l'armée de l'air américaine dans le cadre d'une mission de combat et, au début de la Seconde Guerre mondiale, elle était déjà une correspondante de guerre établie. Elle a pris certaines des images critiques de la guerre (13,57) au cours de ses missions, mettant ainsi l'accent sur la guerre. Elle s'est également rendue en Inde et au Pakistan pendant leur conflit et a enregistré des événements survenus dans chaque pays, y compris l'image de Gandhi assis à un rouet quelques heures avant son assassinat.

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    13.57 Dépliants

    Alfred Stieglitz (1864-1946) a été l'une des influences les plus importantes sur la photographie moderne. Stieglitz était un photographe américain, propriétaire de la célèbre galerie Stieglitz à New York et marié à Georgia O'Keefe. Au tournant du XXe siècle, Stieglitz était un artiste accompli qui a commencé à photographier des scènes du quotidien à New York. Terminal (13h58) est une scène de rue de la ville où un cheval et un chariot traversent les montagnes de neige au sol, de la vapeur sortant des chevaux et de leurs narines.

    Le canal vénitien (13,59) et un portrait de Katherine Stieglitz (13,60) sont deux autres exemples de la capacité artistique de Stieglitz avec l'appareil photo. Le portrait de sa fille est en noir et blanc ; toutefois, le mouvement à l'époque était de coloriser les photographies à la main, leur donnant une apparence de photographie en couleur. Les photographies de Venise ont été prises au cours d'un voyage de neuf ans en Europe et ont été publiées dans de nombreux magazines. La photo a été prise à l'aide d'une méthode d'impression simple, sans retouche. La netteté de la photo provient de la lumière matinale, et le gros plan est presque garanti grâce aux petits canaux vénitiens étroits.

    Un groupe de personnes debout au sommet d'une calèche
    13.58 Terminal
    Katherine Stieglitz
    13h59 Katherine Stieglitz
    Canal vénitien
    13.60 Canal vénitien

    Quand Stieglitz approchait de la fin de sa vie, on lui a demandé quelle était, selon lui, la photographie parfaite et il a répondu :

    « Je vais m'asseoir avec l'assiette d'une photo que je viens de prendre dans mes mains. Ce sera la photo que j'ai toujours su qu'un jour je pourrais prendre. Ce sera la photographie parfaite, incarnant tout ce que j'ai toujours voulu dire. Je vais simplement l'avoir développé ; je l'ai juste regardé ; j'ai juste vu que c'était exactement ce que je voulais. La pièce sera vide, silencieuse. Les murs seront nus, propres. Je vais m'asseoir à regarder la photo. Il glissera de mes mains et se brisera lorsqu'il tombera au sol. Je serai mort. Ils vont venir. Personne n'aura jamais vu la photo ni ne saura ce que c'était. » [2]