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8.2 : Artistes de la Renaissance

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    Filippo Brunelleschi (1377-1446) est né en France et est devenu l'un des architectes les plus connus de l'époque. L'architecture du début de la Renaissance était une renaissance du classicisme, s'éloignant du style gothique traditionnel de conception et de construction. L'église principale de Florence, en Italie, la Cattedrale di Santa Maria del Fiore (cathédrale Sainte-Marie de la Fleur) (8.3), a été construite en 1296 sur la base du style gothique. La conception du bâtiment comprenait un immense dôme octogonal, et l'église devait théoriquement être la plus grande construite au monde. Le seul problème : pendant 200 ans, personne n'a pu élaborer de plan viable pour la construction du dôme, de sorte que le dôme est resté découvert et ouvert aux éléments. À partir des concepts de l'Antiquité, Filippo Brunelleschi a fait revivre les techniques de construction en perspective linéaire adoptées par les Grecs et les Romains et a conçu un dôme adapté à l'ouverture.

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    8.3 Dôme de la cathédrale

    En 1418, après avoir convaincu les pères de la ville de son projet radical de construire deux dômes, l'un à l'intérieur de l'autre, Brunelleschi a obtenu le contrat de construction du dôme. Le système à double paroi (fig. 8.4) en briques légères a permis au dôme de s'élever plus haut et plus imposant que jamais. Le dôme a été construit à 43,2 mètres de haut et Brunelleschi a inventé un design en brique à chevrons (8,5) spiralant vers le haut, ajoutant du soutien tandis que le poids était déplacé vers l'extérieur vers les supports du dôme. Brunelleschi a dû concevoir, créer et utiliser de nombreuses machines de levage pour soulever les matériaux jusqu'aux travailleurs. Le dôme était une merveille mathématique et architecturale, et les visiteurs peuvent toujours grimper jusqu'à la lanterne pour admirer une vue magnifique sur Florence.

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    8.4 Plan du dôme de Brunelleschi
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    8.5 Extérieur du dôme Brunelleschi

    À l'origine, Brunelleschi voulait que l'intérieur du dôme soit recouvert d'or pour refléter la lumière, mais il est mort et le dôme a simplement été blanchi à la chaux. Plus tard, le duc de Florence a chargé des artistes de peindre l'intérieur du dôme avec des histoires (8.6) représentant le Jugement dernier tirées de la Bible.

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    8.6 Intérieur du dôme

    LECTURE : Le dôme de Brunelleschi : construction et structure

    Donato di Niccolo di Betto (alias Donatello) (1386-1466), né à Florence, centre du nouveau mouvement, était l'un des premiers artistes de la Renaissance. Cosimo De Medici, le premier chef de la dynastie des Médicis, a parrainé Donatello et, en 1430, Donatello a créé la première sculpture nue autoportante de David (8,7). Donatello a étudié l'art grec et romain avec Brunelleschi avant de concevoir la statue.

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    Figure\(\PageIndex{1}\) : Collez la légende ici
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    8.7 David 8.8 David de près

    La position traditionnelle d'une sculpture autoportante était l'une des premières depuis les statues grecques et romaines de l'Antiquité, rendant cette statue révolutionnaire et passionnante à admirer. Le corps grand et souple du jeune David repose sur une jambe et son épée, laissant l'autre jambe se pencher vers l'avant au-dessus de la tête de Goliath. David a un sourire enchanteur (8,8) ; ses mains sont à ses côtés sur une peau lisse et polie et ses longues mèches bouclées coulent sous son casque.

    La statue provocatrice se dressait sur une colonne au milieu de la cour du palais des Médicis au lieu de la place de la ville, ce qui indique qu'il était peut-être controversé de représenter un homme nu à cette époque du XVe siècle. Donatello était sans aucun doute en avance sur son temps en tant qu'artiste, menant la révolution de la Renaissance en matière d'acceptation et de qualités humanistes dans l'art.

    Tommaso di Ser Giovanni di Simone (alias Masaccio) (1401-1428) était l'un des meilleurs peintres de la période quattrocento de la Renaissance. Au cours de son court mandat en tant que peintre, il a eu une profonde influence sur d'autres artistes et sur leurs méthodes d'utilisation de la perspective, transformant à jamais la peinture occidentale. Malheureusement, il est décédé à l'âge de vingt-six ans.

    Quattrocento — le XVe siècle en tant que période de l'art ou de l'architecture italienne

    S'éloignant du style gothique traditionnel et plus plat, Masaccio a utilisé la perspective (latin pour « transparent ») dans sa peinture, s'écartant ainsi des méthodes de peinture classiques. Son utilisation d'une perspective linéaire à un point a changé la peinture et le dessin pour toujours. Le point de fuite (8.9) commence par un ensemble de lignes parallèles, comme une voie ferrée, qui disparaissent de l'autre côté de l'image. Son magnifique tableau, La Trinité (8.10), situé dans l'église Santa Maria Novella à Florence, est une grande fresque au-dessus d'une tombe.

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    8.9 Perspective de la Trinité
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    8.10 Trinité

    Les arcs de triomphe romains du Forum romain ont peut-être inspiré Masaccio. Ses voûtes en berceau sont dessinées dans la perspective exacte représentée par le plafond à caissons qui se retire à l'arrière-plan. L'illusion réaliste de l'espace crée de la profondeur grâce à l'utilisation des colonnes et du plafond. Le Christ en croix est au centre du tableau, le corps peint de manière musclée et regardant Marie vers le bas. L'ensemble du tableau est situé au sommet d'une tombe ouverte avec l'inscription : « Comme je suis maintenant, ainsi tu seras. Comme tu es maintenant, je l'étais autrefois ». L'incroyable espace caverneux montre que le point de perspective se trouve juste en dessous du bas de la croix. Les avancées significatives utilisées par Masaccio dans cette peinture ont ensuite influencé les grands artistes de la Renaissance.

    En 1436, Johannes Gensfleisch Zur Laden zum Gutenberg (1398-1468) a inventé la presse à caractères mobiles (8.11) en Europe. Inventeur, artisan, forgeron et éditeur, il était bien éduqué et issu d'une famille aisée. Les livres du XIVe siècle en Europe étaient tous uniques, les moines des monastères les copiant à la main. Gutenberg a vu une opportunité lorsque les bibliothèques ont été ouvertes pour la première fois, et les chercheurs ont voulu avoir accès à de nombreux exemplaires des mêmes livres. Gutenberg a commencé à expérimenter le texte, en le découpant en lettres individuelles, en les collant sur de petits blocs de bois pour les utiliser comme tampons, chaque bloc étant encré individuellement. Il a ensuite inventé le texte en métal et un moule à blocs de lettres, afin que tout le texte soit de taille égale, ce qui permet aux typographes de former des lignes ou des pages imprimées. Le formulaire a été encré et pressé à la main sur du papier. Gutenberg a utilisé un design similaire à celui des pressoirs à vin ou à pommes avec une vis pour la pression.

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    8.11 Modèle de la presse à imprimer

    Pendant deux ans, Gutenberg et son équipe ont travaillé à l'impression de la Bible en texte noir, illuminé à la main avec des encres de couleur. La première édition de 180 livres identiques a connu un grand succès et a marqué le début de la révolution de l'impression. Deux ans après l'invention de la presse par Gutenberg, la production de livres a augmenté et l'analphabétisme a diminué. Bien qu'une presse à imprimer ait été inventée en Chine et en Corée quelques siècles plus tôt, la technologie n'avait pas migré vers l'Europe. L'imprimerie de Gutenberg est considérée comme l'une des inventions les plus critiques de l'histoire européenne.

    Andrea Mantegna (1431-1506) était un peintre italien qui étudiait l'archéologie romaine et s'intéressait aux antiquités, une influence qui transparaît dans les arrière-plans de la plupart des œuvres d'art de Mantegna. Il était un maître de l'illusion d'optique et s'est entraîné à dessiner les perspectives avant de commencer à peindre. Saint Sébastien, (8.12) peint en 1480, représente le saint attaché à une colonne grecque, empalé par des flèches. La figure pâle et angoissante de Saint-Sébastien est contredite par le ciel bleu et les nuages blancs gonflés entre une ville et la colonne à laquelle il est attaché. L'influence architecturale grecque encadre la peau pâle et la robe blanche du saint avec le marbre gris-blanc des colonnes.

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    8.12 Saint-Sébastien
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    8.13 Le Christ en tant que Rédempteur souffrant

    Un autre beau tableau de Mantegna est le Christ, le Rédempteur souffrant (8.13). La peinture a été achevée quinze à vingt ans après Saint-Sébastien et représente le développement des compétences artistiques de Mantegna. Le Christ est enveloppé dans un drap blanc, flanqué de deux anges. À l'arrière-plan se trouve le tombeau, d'où vient de sortir le Christ récemment enterré et aujourd'hui ressuscité, faisant de la peinture une histoire complète, tout en maintenant l'accent mis sur le Christ au centre.

    Alessandro di Mariano di Vanni Filpepi (alias Sandro Botticelli) (1445-1510) est un peintre du début de la Renaissance qui a fréquenté l'école florentine sous le parrainage de Lorenzo de Médicis. Botticelli a fait son apprentissage à l'âge de quatorze ans auprès de Fra Filippo Lippi et s'est retrouvé au milieu de l'âge d'or de l'art de la Renaissance.

    En 1485, Botticelli a peint l'un des tableaux les plus emblématiques de la Renaissance, La naissance de Vénus (8,14), basé sur une ancienne déesse de l'amour, et une statue grecque de Médicis avait dans sa collection. Debout sur un coquillage après être née de la mer, Venus flotte gracieusement vers le rivage. Le dieu du vent Zéphyer la pousse doucement vers le rivage, où un accompagnateur l'accueille avec une robe rouge fluide.

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    8.14 La naissance de Vénus

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    8.15 Gros plan de Vénus

    L'arrière-plan n'est pas réaliste et n'a pas la profondeur que l'on voit dans le tableau de Maccacio, et une illusion passionnante : les corps non ancrés sur terre semblent flotter, ce qui n'est pas caractéristique des artistes de la Renaissance. Le corps et le visage sensuels (8,15) de la Vénus, peints dans des couleurs pastel douces, manquent de profondeur, son visage mélancolique, ses cheveux bougés par le vent, autant de peintures thématiques insolites selon les normes de la Renaissance.

    Jheronimus van Aken (alias Hieronymus Bosch) (1450-1516) était l'un des premiers peintres néerlandais et était bien connu pour ses paysages excentriques et ses images détaillées représentant des chroniques morales et religieuses. L'œuvre la plus célèbre de Bosch est le Jardin des délices terrestres, peint en 1490. Le triptyque, peint sur des panneaux de bois de chêne, est articulé avec de la peinture en noir et blanc sur la couverture extérieure et une représentation colorée du ciel, de la terre et de l'enfer une fois les panneaux ouverts. La couverture du tableau est en noir et blanc (8,16) et représente la Terre sous la forme d'un globe terrestre, mais un paysage plat avec des nuages se rassemblant au sommet, ressemblant à l'atmosphère. Lorsque les panneaux se ferment, les belles curiosités colorées peintes à l'intérieur sont inattendues.

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    8.16 Extérieur du Jardin des délices terrestres 8.17 Panneau Jardin des délices terrestres

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    8.18 Le jardin des délices terrestres

    L'ouverture des ailes révèle une image rayonnante de la terre (8,17), habitée par de nombreuses personnes nues dans tous les états aux poses humoristiques et sinistres. La Renaissance a laissé libre cours à l'imagerie religieuse, et Bosch a pris l'idée et a produit une peinture inventive et ludique si loin en avance sur son temps, qu'elle aurait pu être peinte aujourd'hui.

    Lorsque le triptyque est ouvert, l'œil se déplace autour des images, les émotions sont en état d'alerte, comme si vous viviez dans un rêve. Une partie du panneau (8,18) représente des personnes mangeant des fruits géants, des oiseaux surdimensionnés volant, des courses de chevaux, le tout accompagné d'images magnifiques et répugnantes les unes à côté des autres. La peinture est un composite d'un monde onirique, un monde où personne ne grandit ni n'a de responsabilités. Dans une peinture de type science-fiction, le spectateur est conduit à travers un monde imaginaire entre paradis et enfer. Hieronymus Bosch était un homme en avance sur son temps ; malheureusement, il n'a laissé aucun mot écrit sur ses idées, ses peintures ou ses dessins. Bosch a laissé le spectateur se promener et explorer par lui-même le Jardin des délices terrestres.

    Leonardo di ser Piero da Vinci (alias Léonard de Vinci) (1452-1519) est l'un des peintres, architectes, scientifiques, mathématiciens, astronomes, botanistes, écrivains, ingénieurs, inventeurs, musiciens et sculpteurs les plus célèbres de la Renaissance. Léonard de Vinci est né dans une importante famille toscane et a déménagé à Florence à l'âge de dix-sept ans pour commencer sa carrière artistique. Leonardo a rejoint la guilde des artistes et s'est rapidement épanoui dans l'atmosphère intellectuelle. Da Vinci a rebondi de mécène en mécène, peignant, dessinant et concevant. Il a dessiné l'anatomie de cadavres volés, a appris comment fonctionnaient le corps et le cerveau (8,19) et a dessiné des images détaillées des éléments du corps humain, y compris un fœtus dans l'utérus (8.20). Léonard avait une insatiable curiosité pour la connaissance, ce qui a conduit à des milliers de dessins dans les sciences.

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    8.19 Physiologie du cerveau
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    8.20 Foetus dans l'utérus

    Léonard de Vinci nous a laissé un grand nombre de dessins de ses concepts scientifiques pour que nous puissions les étudier. On peut imaginer Léonard observant le monde naturel, regardant chaque détail et pensant à chaque ligne. Avant même de lever un pinceau, Leonardo a réalisé une série de dessins, préparant ainsi le terrain pour la peinture elle-même. Leonardo n'a peint que dix-neuf tableaux au cours de sa vie ; cependant, il était un illustrateur et un écrivain prolifique. Son écriture italienne a été écrite à l'envers et peut être facilement lue devant un miroir.

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    8.21 Machine volante

    Leonardo a conçu et fabriqué une grande variété d'outils, de machines et d'autres inventions conceptuelles. L'un des dessins les plus emblématiques est l'Homme de Vitruve (8.22), dessiné en 1492, à l'encre sur papier, l'homme entouré d'un cercle basé sur des proportions humaines idéales. Dans les journaux de Léonard de Vinci, page après page, décrit des dessins de machines volantes, d'instruments de musique, de pompes, de canons et bien d'autres. La structure centrale de l'ornithoptère à propulsion humaine (8.21) présente une structure légère conçue pour permettre à une personne de voler. Des ailes mécaniques confèrent à l'ornithoptère sa puissance portante.

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    8.22 Homme de Vitruve

    LECTURE : Dessins de Léonard de Vinci

    Le travail de Léonard continue de guider et d'inspirer les artistes, les philosophes et les scientifiques des siècles après sa mort. Le génie de l'œuvre de Léonard de Vinci et sa soif de connaissances le placent au sommet de la liste des grands artistes de tous les temps. L'énigme de la Joconde (8.23) reste l'un des mystères de Léonard de Vinci. Tout le monde veut savoir qui elle était, s'agit-il d'un autoportrait déguisé, y a-t-il des chiffres peints dans ses yeux, fait-on partie des nombreuses théories sur la peinture ? C'était censé être le portrait de la femme d'un marchand de tissus, portrait que Léonard n'a pas donné au marchand. L'image est peinte en demi-longueur alors qu'elle est assise sur une chaise, vêtue de vêtements banals. Une fenêtre apparaît derrière elle alors qu'elle affiche son sourire emblématique. Toute la merveille de la peinture est ce qui nous attire dans la peinture.

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    8.23 Mona Lisa

    Albrecht Durer (1452-1519) était un sculpteur sur bois, peintre et graveur allemand qui s'est forgé une réputation dans toute l'Europe alors qu'il était âgé d'une vingtaine d'années. Durer a créé un vaste corpus d'œuvres avec des motifs classiques et des portraits religieux. L'une de ses gravures les plus célèbres est Melencolia I, (8,24), une composition allégorique avec de nombreux sujets emblématiques. La gravure a été achevée en 1514 et comprenait les outils d'un charpentier, un carré magique, un sablier indiquant le temps qui s'écoule, une balance, une boussole et la figure ailée découragée au premier plan, la tête posée sur sa main. Melencolia 1 est liée à l'astrologie, à la théologie et à la philosophie, ce qui suggère qu'il s'agit d'un autoportrait de l'artiste lui-même, peut-être d'une idée des limites du monde terrestre et de l'incapacité d'imaginer des états avancés de contemplation conceptuelle.

    Durer a toujours cru pouvoir atteindre des proportions et des mesures parfaites dans ses figures et a créé Adam et Eve (8,25) dans des positions idéalisées, entourés d'animaux, reflétant la perfection. Durer a utilisé des milliers de lignes fines pour développer l'image, puis a ajouté son nom sur le panneau au-dessus de l'épaule d'Adam. Il n'a pas réalisé l'estampe comme œuvre d'art finale, mais plutôt comme une estampe destinée à être reproduite et distribuée faisant la promotion de ses capacités, une publicité de la Renaissance.

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    8.24 Melencolia I 8.25 Adam et Eve

    Michelangelo di Lodovico Buonarroti Simoni (alias Michel-Ange) (1475-1564) est né pendant la haute Renaissance. Il est l'un des artistes les plus célèbres en tant que sculpteur, peintre, architecte, ingénieur et poète. Son génie et ses capacités artistiques inégalés ainsi que son style organique ont donné vie au marbre, comme en témoignent toutes les statues qu'il a créées. L'une de ses premières commandes majeures a été une statue de la Pieta (8.26) pour l'un des autels latéraux de l'église Saint-Pierre de Rome. L'écrivain de l'époque a déclaré : « Aucun sculpteur... ne pourrait jamais atteindre ce niveau de design et de grâce, pas plus qu'il ne pourrait, même à la main, finir, polir et tailler le marbre aussi habilement que Michel-Ange l'a fait ici, car cette statue révèle toute la valeur et la puissance de la sculpture ». Les plis de sa robe semblent porter le corps sans vie du Christ, un corps sculpté dans des détails exquis et sublimes, dont le visage est doux comme la mort.

    Pietà
    8.26 Piéta
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    8.27 David
    Jambe et main
    8.28 Jambe et main
    Tête
    8.29 Tête

    David (8,27), l'un des chefs-d'œuvre les plus époustouflants en marbre blanc brillant de Carrera, était la sculpture la plus massive de Michel-Ange, mesurant 4,10 mètres, représentant un jeune homme parfait, musclé, contemplatif et prêt au combat. En général, la plupart des artistes dépeignent David après la bataille avec Goliath, dont la tête repose sur le sol. Cependant, le David de Michel-Ange est pris dans une position tendue avant la bataille. Les détails sculptés par Michel-Ange (8,28) étaient bien plus avancés que ceux des autres sculpteurs : sur ses mains, les tendons sont visibles sous la peau, les veines coulant le long de son bras. L'expression sur le visage de David (8.29) est profondément ancrée dans la perspective de la bataille à venir, et elle donne le courage nécessaire pour exprimer le voile doux de la peur.

    Michel-Ange était également un grand peintre, même s'il pensait que la peinture devait être laissée à d'autres ; cependant, il savait qu'il devait peindre le plafond de la chapelle Sixtine (8 h 30) sous peine de faire face à la colère du pape. Le plafond mesure plus de 20 mètres de haut et Michel-Ange a conçu des échafaudages pour qu'il puisse se tenir debout sous le plafond incurvé et peindre. Il a commencé les travaux en 1508, dessinant des figures et préparant le plafond pour les fresques.

    clipboard_e29a95f4056f9e581071f6c994be47126.png8h30 Chapelle Sixtine

    Le plafond central est composé de neuf panneaux du livre de la Genèse, commençant par l'histoire de la création jusqu'à Noé et le déluge. Le panneau central est l'emblématique main tendue de Dieu (8,31), donnant vie à Adam, dont le doigt s'est étendu vers Dieu, mais pas tout à fait le toucher, créant ainsi le magnétisme entre l'homme et Dieu. La Sibylle libyenne (8,32) avec ses traits hellénistiques est l'une des figures les plus profondes du plafond. Peinte dans sa robe orange royale, elle soulève un grand livre de l'étagère. Ses bras et son dos puissants tordent le corps, ce qui fait plier ses vêtements au fur et à mesure qu'ils circulent autour de ses jambes, créant ainsi une illusion de tension.

    Création d'Adam
    8.31 Création d'Adam
    Sibylle libyenne
    8.32 Sibylle libyenne

    Pour peindre le style de la fresque, Michel-Ange a recouvert une petite partie du plafond de plâtre, puis l'a peinte sur du plâtre humide, qui a séché en quelques jours, révélant l'image finale. À maintes reprises, Michel-Ange a peint en descendant lentement le plafond pendant quatre longues années sur l'échafaudage, le cou penché vers le haut, jusqu'à ce qu'il réalise la fresque de plafond la plus emblématique au monde.

    En 1979, la restauration de la chapelle Sixtine a commencé pour nettoyer et réparer les fresques du plafond et les remettre en état pour leur redonner leur splendeur d'antan, telle que dévoilée pour la première fois par Michel-Ange. Le processus de restauration a débuté en 1980 pour nettoyer la suie et la saleté vieilles de 500 ans et réparer les fissures du plâtre, un processus de longue haleine qui n'a été achevé qu'en 1994. L'image (8.33) de Daniel sur le côté gauche montre comment l'image est apparue après 500 ans de saleté, et sur la droite, le résultat du processus de restauration visant à rétablir la beauté d'origine. L'héritage de Michel-Ange se perpétue bien au-delà de la Renaissance et on se souvient toujours de lui comme de l'un des plus grands artistes de tous les temps.

    Raffaello Sanzio da Urbino (alias Raphaël) (1483-1520) était un peintre italien vivant à Florence, contemporain de Léonard et Michel-Ange. Bien qu'il soit décédé à l'âge de 37 ans, il a laissé une œuvre importante. Raphaël a commandé de peindre les murs de la bibliothèque du Vatican, un bâtiment situé juste à côté de la chapelle Sixtine, où Michel-Ange peignait simultanément le plafond de la chapelle. La bibliothèque était une petite pièce, et Raphaël a peint une fresque allégorique différente sur chaque mur représentant les quatre branches du savoir humain : philosophie, théologie, poésie et justice, une sur chaque mur.

    Le premier tableau sur le mur est, Raphaël, a peint la célèbre école d'Athènes (8,34), dépeignant la connaissance de l'avenir. Au centre du tableau, Aristote en bleu et brun et Platon en rouge et violet, tenant leurs livres, semblent avancer. Dans le coin inférieur gauche, Pythagore démontre l'importance des mathématiques. Des statues de dieux grecs antiques se trouvent de part et d'autre des grands plafonds à caissons reliant l'Antiquité à la Renaissance. La deuxième peinture sur le mur ouest, The Dispute (8.35), représente une théologie divisée horizontalement entre la vie terrestre et la vie céleste. Dans la moitié supérieure, le Christ est représenté sur un banc de nuages, entouré de saints. Les figures spirituelles de la moitié inférieure représentent des papes, des prêtres et des dirigeants de l'église, rassemblant les connaissances célestes par l'intermédiaire de l'armée divine.

    8.34 École d'Athènes
    8.34 École d'Athènes
    Le litige
    8.35 Le litige

    La troisième peinture sur le mur sud, Les vertus cardinales et théologiques (8,36), illustre les qualités cardinales incarnées par trois femmes : force, prudence et tempérance. Fortitude tient une branche d'un chêne secouée par le Cupidon Charity. Prudence regarde dans un miroir représentant deux visages avec le cupidon Hope tenant une torche, et Temperance protège la foi cupide. La quatrième peinture sur le mur nord, Le Parnasse (8,37), illustre le mont Parnasse où réside Apollon. Vingt-sept personnes venues de Grèce flanquent Apollon, qui joue d'un instrument de musique au centre sous un laurier. Les neuf muses qui dépeignent l'art, neuf poètes de l'Antiquité et neuf poètes contemporains entourent Apollon.

    8.36 Les vertus cardinales et théologiques
    8.36 Les vertus cardinales et théologiques
    Le Parnasse
    8.37 Le Parnasse

    Ensemble, les quatre tableaux racontent l'histoire du voyage vers la Renaissance. L'harmonie de composition est apparente dans toutes les fresques, et le contrepoint visuel des différents groupes de personnes crée un ensemble de fresques de qualité supérieure. Ces fresques illustrent toutes l'approche unique et illustrative de Raphaël en matière de peinture.

    Properzia de Rossi (1490-1530) était une sculptrice italienne dont le talent est apparu très tôt. Comme il était difficile pour les jeunes filles de trouver une formation autre que celle de gérer un foyer, de Rossi a appris à tailler des noyaux de pêches et d'abricots, un matériau peu commun à utiliser pour tout le monde. Les petites sculptures sont généralement basées sur des thèmes religieux, et après avoir gravé sa scène complexe de la crucifixion sur une fosse à pêches, son talent reconnu, elle a reçu une formation en marbre à l'université. Elle a obtenu une commande pour un panneau de bas-relief et a sculpté la femme de Joseph et Potiphar (8,38), montrant ainsi son talent pour la sculpture sur marbre, un talent mal accueilli par les autres artistes qui la discréditaient fréquemment.

    L'épouse de Joseph et Potiphar8.38 L'épouse de Joseph et Potiphar

    Sofonisba Anguissola (1532-1625) a eu la chance de faire partie d'une famille de la noblesse qui croyait en la formation artistique. Au cours de cette période, la plupart des femmes ne pouvaient pas devenir apprenties auprès d'un maître artiste et devaient apprendre auprès d'un membre de leur famille. Cependant, son père a pu trouver un artiste qui l'a formée à la peinture et à l'importance du design. Une lettre écrite par son père décrit la chance qu'elle a eue de rencontrer et peut-être d'étudier avec Michel-Ange. Elle a peint plus de douze autoportraits, une image saisissante pour un artiste de cette période. Dans un premier autoportrait (8,39), elle se représente en train de peindre la Vierge à l'enfant, bien qu'arrêtée à mi-course et semblant être interrompue. Son autoportrait ultérieur (8,40) a été peint alors qu'elle avait 78 ans, elle était toujours une maîtresse du portrait.

    Autoportrait 1556
    8.39 Autoportrait 1556
    8.40 Autoportrait 1610

    En tant qu'artiste féminine, Anguissola n'avait pas accès à des modèles masculins et utilisait fréquemment les membres de sa famille pour réaliser des portraits de groupe. Elle a peint ses autres frères et sœurs dans The Chess Game (8.41), une sœur regardant vers l'extérieur, le sourire subtil sur son visage semble indiquer que j'ai gagné la partie. L'attention portée aux détails par Anguissola impliquait des textures changeantes des vêtements en brocart, des lacets délicats et des cheveux parfaitement tressés. Ces portraits de famille et ses autoportraits, l'attention portée à l'élégance des vêtements et sa perfection visible sur les visages ont aidé Anguissola à se forger une réputation. Alors qu'elle n'avait que vingt-six ans, elle a été invitée à devenir peintre à la Cour d'Espagne et a passé plusieurs années à créer des peintures de cour officielles représentant des membres de la famille royale et d'autres dignitaires. Le portrait officiel de Philippe II d'Espagne (8,42) arbore, dans des couleurs plus sombres et plus discrètes, la délicate dentelle autour du cou et les boutons parfaits de sa robe, ce qui témoigne de la réussite de sa carrière.

    Le jeu d'échecs
    8.41 Le jeu d'échecs (Lucia, Minerve, Elena)
    Philippe II d'Espagne
    8.42 Philippe II d'Espagne

    Lucia Anguissola (1536 ou 1538 — 1565 à 1568) était la sœur cadette de Sofonisba Anguissola. Toutes deux ont reçu une éducation en sciences humaines et artistiques et sont devenues peintres. Malheureusement, Lucia est décédée à l'âge de trente ans et n'a pas eu l'occasion d'établir un portefeuille étendu. L'homme du tableau est Portrait de Pietro Manna (8.x), considéré comme un parent de la famille Anguissola. Il a été peint avec une palette limitée de teintes de brun et de gris, un sentiment de personnalité sur son visage démontrant la capacité d'Anguissola en tant qu'artiste.

    Autoportrait
    8.43 Autoportrait

    Tiziano Vecelli (alias Titien) (1490-1576) était un peintre italien qui faisait partie de l'école d'art vénitienne. Titien est bien connu pour son utilisation dynamique de la couleur, qui rend le tissu beau et réaliste dans ses peintures. L'Assomption de la Vierge (8,44) mesure 23 pieds de haut et est l'un des plus grands retables du Titien. Assistée par des anges, Marie passe du monde terrestre au monde céleste. Les personnages surdimensionnés au bas du tableau ont les mains tendues comme s'ils essayaient d'aider Marie dans son ascension vers le ciel. Le raccourcissement de Marie est rendu d'une manière exquise, regardant vers les nuages, et elle est entourée d'un halo de lumière dorée lumineuse.

    Assomption de la Vierge
    8.44 Assomption de la Vierge

    Peintre vénitien, Jacopo Robusti (alias Tintoretto) (1518-1594) était l'un des grands peintres maniéristes italiens de la Renaissance. Tintoretto a fréquenté l'école d'art vénitienne et a été influencé par Michel-Ange, Vasari et Giorgione lorsqu'il a peint (8 h 45) La découverte du corps de Saint-Marc. L'une des premières peintures du Tintoret démontrait une maîtrise du dessin et de la peinture grâce à l'utilisation d'une perspective à point unique.

    À la recherche du corps de Saint-Marc
    8.45 Retrouver le corps de Saint-Marc

    En regardant l'œuvre, il semble que le spectateur pourrait entrer dans le tableau et descendre le long hall. L'utilisation exquise de la lumière qui illumine le corps, attire l'œil vers le coin gauche, puis remonte vers le haut pour voir une figure noble, pointe du doigt les gens pour les empêcher de faire des incursions dans des tombes. Au dos de l'image, deux personnages ouvrent la tombe, trouvent le corps de Saint Marc et le traînent dehors. À travers l'effondrement du temps et de l'espace, les spectateurs voient Saint-Marc allongé sur le sol au premier plan ; et Saint-Marc, également la noble figure debout au premier plan à gauche, faisant signe aux gens de cesser de faire des descentes dans les tombes. Le long couloir de la tombe est sombre ; toutefois, les détails architecturaux sont éclairés dans la moindre lumière, ce qui lui confère une profondeur extrême et des effets de perspective spectaculaires. La peinture a été achevée en 1566 et fait partie d'un cycle de peintures pour le patron Saint Marc de Venise.

    La Renaissance a été l'une des périodes les plus importantes pour le développement de la conscience humaine, de l'individualisme et de la conscience de soi, un contraste saisissant avec le Moyen Âge qui a dominé l'Europe pendant des siècles. La Renaissance a ouvert la conversation sur les sciences, l'art, les mathématiques, l'ingénierie et le progrès culturel. C'était une période de rajeunissement de l'Antiquité, une époque où l'innovation orientait le mouvement artistique.