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1.5 : Comment comparer et contraster des œuvres d'art

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    La comparaison de peintures modernes et de peintures historiques permet de comprendre comment le passé influence le présent. L'apprentissage des éléments de l'art, du design et des méthodes artistiques vous aidera à communiquer et à écrire dans un nouveau langage pour comparer et contraster l'art. Dans ce manuel, nous allons comparer et contraster des images ordinaires de chevaux, de personnages, de tournesols et de points. Comme une nouvelle langue, elle devient plus familière au fur et à mesure que les termes utilisés dans les descriptions écrites se multiplient. L'étude de l'art est à la base de l'apprentissage de la rédaction d'essais descriptifs. Plus vous regardez longtemps, plus vous commencez à voir des informations, comme les marques de pinceau. Vous poser des questions sur les marques de pinceau peut vous aider à définir le type d'art que vous regardez : l'impressionnisme utilise des marques de pinceau larges importantes avec des plaques de peinture visibles. Alors que les artistes de la Renaissance utilisaient de la peinture à l'huile avec des marques de pinceau presque cachées, donnant à la peinture un aspect réaliste. Ces observations vous aideront à décider à quelle période de la peinture d'art peut appartenir lorsque vous ne connaissez pas la réponse.

    Comparaison des chevaux

    Les deux tableaux, Relay Hunting (1,9) et Foundation Sire (1.10) ont été créés à 170 ans d'intervalle mais sont aussi réalistes que les photographies prises hier. Dans des cas similaires, les chevaux font généralement face à l'œil opposé au spectateur, avec leurs pattes arrière robustes et leurs muscles tendus. Le soleil brille sur leur pelage, reflète les reflets et met en valeur la structure musculaire des animaux. Les deux artistes représentent les chevaux de manière réaliste, ce qui amène le spectateur à jeter un second regard sur les détails exquis des chevaux et de leurs environs.

    Chasse aux relais, 1887 - Rosa Bonheur
    1.9 Chasse aux relais
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    1.10 Site de la Fondation

    Dans des peintures réalistes, les deux artistes se sont concentrés sur les détails en étudiant l'anatomie du cheval. Rosa Bonheur, qui a peint les trois chevaux dans Relay Hunting (1.9), s'est rendue dans des usines de transformation de la viande et a étudié l'anatomie des chevaux pendant qu'elle disséquait les animaux. La plupart des artistes étudient l'anatomie humaine dans le cadre de leur formation. La compréhension de la structure musculaire et osseuse du corps permet aux artistes de dessiner des personnes et des animaux réalistes.

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    1.11 Image d'un cheval des grottes de Lascaux
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    1.13 Étude des chevaux, Leonardo

    La représentation des chevaux à travers le temps humain a commencé sur la paroi de la grotte, Image of Horse (1.11). Nous voyons des chevaux immortalisés dans des statues de bronze, filmés ou dessinés dans Study of Horses (1.13). Peint dans Blue Horses (1,14), gravé dans Knight, Death and the Devil (1,12) et coloré. Les chevaux sont un mode de transport depuis des milliers d'années, et l'image équine a été le portrait traditionnel à travers les âges. Ces photos de différents types de chevaux montrent qu'ils peuvent être dessinés ou peints dans de nombreux styles. Les détails de l'œuvre gravée Knight, Death, and the Devil (1.12) font de l'artiste une personne soucieuse du détail, contrairement aux Blue Horses (1.14), qui ont un style de peinture plus lâche et des couleurs plus audacieuses.

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    1.12 Chevalier, la mort et le diable
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    1.14 Chevaux bleus

    Comparaison de chiffres

    À première vue, The Birth of Venus (1.15) et Rara Avis 19 (1.16) sont complètement différentes l'une de l'autre, ou le sont-elles ? Regardons ces deux personnages de plus près : quel est le seul objet similaire dans les deux tableaux ? La femme au centre ! Les deux poses sont similaires, sans expression, sauf ce que le spectateur y lit, et elles ne présentent aucun mouvement, une pose très statique avec des jambes et des pieds allongés. Aucun des artistes n'accorde de poids au corps et n'utilise aucun type d'espace de perspective profond. Les deux personnages ont une pose impossible, le déplacement du poids sur une hanche. Ils semblent tous deux émerger de l'eau comme s'ils étaient nés de la mer.

    Firenze alias Florence, Italie
    1.15 La naissance de Vénus
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    1.16 Rara Avis 19

    Elles sont toutes deux colorées et donnent l'impression d'un arrière-plan : terre, mer et arbres. Cependant, ces deux tableaux sont séparés de plus de 500 ans, la naissance de Vénus de Sandro Botticelli en 1486 et Rara Avis 19 de Jylian Gustlin en 2014. Botticelli peint à l'huile sur toile, et sa Vénus est distante et ne s'intéresse pas à son environnement. Gustlin travaille à l'acrylique et à l'huile sur panneau, utilisant les effets des couches pour réaliser ses peintures distinctes et complexes. Les personnages du paysage montrent souvent une figure maussade et maussade, tout en dépeignant un sentiment d'avenir. Un personnage traduit littéralement et l'autre dans une vision moderne, mais chacun échappe à la réalité.

    Comparaison des tournesols

    Ces deux œuvres d'art présentent le magnifique tournesol à l'apogée de sa floraison. Les pétales jaunes s'ouvrent vers le soleil et offrent des graines aux oiseaux de passage. La touche de couleur brune sur les feuilles indique au spectateur que l'automne approche. Ces deux œuvres d'art sont séparées d'environ 140 ans, l'une est en peinture et l'autre en tissu peint. Les tournesols (1,17) dans le vase sont de Vincent Van Gogh en 1887, et la courtepointe de tournesol (1,18) est d'un quilter inconnu, 2004.

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    1.17 Les tournesols

    Les deux pièces ont de nombreux éléments similaires, par exemple, les couleurs des tournesols sont jaunes, les gousses brunes au centre, les deux images remplissent l'espace et les deux sont peintes. Les différences sont d'autant plus importantes que les tournesols matelassés contrastent fortement avec le tissu brun foncé ; les fleurs du vase sont sur un fond bleu pâle. La courtepointe montre des fleurs disposées dans l'espace sans être ancrées à des tiges ou dans un vase, comme on le voit sur le tableau.

    Le processus de peinture est également différent. Van Gogh a peint ses tournesols sur toile avec des peintures à l'huile. Le tissu de couette peint est devenu la palette des tournesols, principalement des jaunes, avec des bruns, des verts et des oranges dans une gamme aléatoire de couleurs pour les mettre en valeur, découpés en feuilles individuelles et disposés sur le tissu de fond. Les deux pièces sont des œuvres d'art similaires créées à différentes époques avec des matériaux différents.

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    1.18 Couette en forme de tournesol

    Comparaison de points

    Les points ou les points sont des formes primaires uniques de l'art. Dans l'art, les points peuvent être un ou plusieurs milliers de points abstraits dans des images que nous pouvons ou non reconnaître. Les points peuvent être éloignés ou rapprochés, de couleurs différentes, monochromes ou d'une seule couleur. Tous les dessins commencent par un point à partir de la pointe du crayon et, à mesure que le crayon bouge, il forme une ligne continue de points, faisant ainsi du point l'un des éléments essentiels de l'art.

    Les points deviennent le point central de l'art, et l'espace entre les points est aussi crucial que le point lui-même. Le point peut provoquer une tension ou une harmonie en fonction de la couleur, de la taille et de la proximité du point par rapport à un autre point. À mesure que les points sont rapprochés les uns des autres, ils commencent à devenir un objet, une forme reconnaissable.

    Yayoi Kusama (née en 1929) est considérée comme la « princesse des pois », utilisant de grands pois distincts dans ses deux sculptures Flowers (1.19) et Life is the Heart of a Rainbow (1.20). Ce sont des pois rouges et blancs qui entourent les arbres ou toute la pièce. Les pois sont clairement des cercles, surtout dans la pièce, car ils sont éloignés les uns des autres et ne sont disponibles que dans deux couleurs contrastées. Les arbres enveloppés de rouge à pois blancs sont plus rapprochés les uns des autres mais se distinguent tout de même par leur contraste élevé. Les points ne se touchent pas et l'espace négatif qui les sépare est à peu près de la même taille.

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    1.19 Fleurs
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    1.20 La vie est le cœur d'un arc-en-ciel
    « Un dimanche à La Grande Jatte—1884 » de Georges Seurat
    1.21 Un dimanche après-midi sur l'île de La Grande Jatte

    George Seurat a développé une technique de peinture à petits points colorés appelée pointillisme comme il l'a fait lorsqu'il s'est éloigné de l'impressionnisme. Le pointillisme repose sur de petits points de couleur qui se fondent dans l'esprit du spectateur pour créer une grande scène. De près, chaque point de couleur et chaque marque de pinceau sont visibles ; toutefois, lorsque le spectateur recule de quelques mètres, il est surpris par une peinture réaliste. Cette œuvre de grande envergure, Un dimanche après-midi sur l'île de La Grande Jatte (1.21), a transformé l'art au tournant du XXe siècle et a inspiré des artistes à travailler avec des points.

    Les trois peintures sont toutes créées à partir de points, de petits points, de gros points, de points colorés sur la toile, sur les murs, suspendus au plafond ou suspendus dans l'espace. La taille et la couleur du point sont importantes et peuvent offrir au spectateur une expérience complètement différente.

    Vidéo : Comment effectuer une analyse visuelle (formelle) en histoire de l'art

    L'art est partout où vous regardez, tout ce que vous portez, et l'art c'est la beauté. Regardez autour de vous...