Skip to main content
Query

11.8 : Post-Impressionnisme (1885 — 1905)

  • Page ID
    166808
  • \( \newcommand{\vecs}[1]{\overset { \scriptstyle \rightharpoonup} {\mathbf{#1}} } \) \( \newcommand{\vecd}[1]{\overset{-\!-\!\rightharpoonup}{\vphantom{a}\smash {#1}}} \)\(\newcommand{\id}{\mathrm{id}}\) \( \newcommand{\Span}{\mathrm{span}}\) \( \newcommand{\kernel}{\mathrm{null}\,}\) \( \newcommand{\range}{\mathrm{range}\,}\) \( \newcommand{\RealPart}{\mathrm{Re}}\) \( \newcommand{\ImaginaryPart}{\mathrm{Im}}\) \( \newcommand{\Argument}{\mathrm{Arg}}\) \( \newcommand{\norm}[1]{\| #1 \|}\) \( \newcommand{\inner}[2]{\langle #1, #2 \rangle}\) \( \newcommand{\Span}{\mathrm{span}}\) \(\newcommand{\id}{\mathrm{id}}\) \( \newcommand{\Span}{\mathrm{span}}\) \( \newcommand{\kernel}{\mathrm{null}\,}\) \( \newcommand{\range}{\mathrm{range}\,}\) \( \newcommand{\RealPart}{\mathrm{Re}}\) \( \newcommand{\ImaginaryPart}{\mathrm{Im}}\) \( \newcommand{\Argument}{\mathrm{Arg}}\) \( \newcommand{\norm}[1]{\| #1 \|}\) \( \newcommand{\inner}[2]{\langle #1, #2 \rangle}\) \( \newcommand{\Span}{\mathrm{span}}\)\(\newcommand{\AA}{\unicode[.8,0]{x212B}}\)

    Le post-impressionnisme, de 1880 à 1905, a été créé par un groupe d'artistes qui adoptaient le symbolisme, un nouveau concept reflétant des émotions et des idées, s'éloignant du naturalisme adopté par les impressionnistes. Le mouvement a débuté en France et s'est étendu aux États-Unis, les artistes essayant de créer de l'émotion dans leurs peintures, offrant au spectateur une expérience plus fabuleuse.

    « Aimez ce que vous aimez » - Vincent Van Gogh

    L'un des principaux post-impressionnistes était Vincent Van Gogh (1853-1890), un artiste néerlandais qui a commencé sa carrière en tant que ministre et s'est tourné vers la peinture dans la vingtaine. Van Gogh n'a pas fréquenté l'école d'art ; il a peint ce qu'il a vu et, dans son style caractéristique, est devenu l'un des peintres les plus connus de tous les temps. Soutenu financièrement par son frère Theo, Van Gogh a peint dans un style instinctif, juxtaposant les couleurs à titre expérimental. Bien qu'il n'ait vendu qu'un seul tableau de son vivant, ses peintures se sont vendues aux enchères aujourd'hui pour 150 millions de dollars. Van Gogh a produit plus de 2 100 œuvres d'art, faisant de lui l'un des artistes les plus prolifiques de sa courte vie. La nuit étoilée (11,40) et le vase de nature morte aux douze tournesols (11,41) sont parmi les peintures les plus connues de Van Gogh.

    Van Gogh a peint de multiples images de tournesols, toutes similaires ; seules les fleurs diffèrent quant à leur position et à leur nombre de fleurs. Il a utilisé la nouvelle peinture jaune synthétique disponible, lui donnant une large gamme de teintes. Il a peint le ciel nocturne pendant son séjour dans un asile alors qu'il regardait à travers les barreaux de sa fenêtre, observant le mouvement tourbillonnant dans le ciel.

    757px-Van_Gogh_-_Starry_Night_-_Google_Art_Project.jpg
    11h40 La nuit étoilée
    479px-Vincent_Willem_van_Gogh_128.jpg11.41 Vase de nature morte avec douze tournesols

    « Par une nuit étoilée... Une lumière scintillante, je lève les yeux et je m'imagine voyager dans le temps. Les magnifiques lumières scintillantes semblent m'y appeler. Je ne peux qu'imaginer ce que ce serait de voler parmi eux. Pouvoir contempler la terre et voir sa beauté. Tout cela, par une nuit étoilée. »

    Paul Gauguin (1848-1903) est né en France, où il s'est lié d'amitié avec Van Gogh, partageant une maison et la décorant de tournesols jaunes. Les deux hommes ont été vus en ville en train de peindre côte à côte, de boire dans le salon du coin et de faire des manèges comme des frères. Gauguin avait vécu au Pérou quand il était plus jeune et avait voyagé dans les mers du sud de Tahiti, où il passait du temps à peindre les habitants, développant ainsi son style caractéristique. Son utilisation unique de la couleur évoque des émotions primaires et oblige le spectateur à utiliser son imagination pour remplir les peintures au-delà de celles où Gaugin a appliqué de la peinture. Tahitian Women on the Beach (11.42) montre son usage distinctif de la couleur et les femmes positionnées pour exprimer leurs sentiments émotionnels.

    11.42 Femmes tahitiennes sur la plage

    Pourtant, la vie est devenue très courante, une image reconnaissable, et Paul Cézanne (1839-1906) était un spécialiste. Le fruit posé sur une table avec des serviettes drapées, Nature morte avec un rideau (11.43), semble simplement peint, mais l'utilisation sophistiquée de la couleur et le manque de perspective et de détails constituent le fondement de la transition vers un monde de l'art fondamentalement transformé à la fin du XIXe siècle. Comme dans Still Life, Drapery, Pitcher et Fruit Bowl (11.44), il a utilisé de la peinture épaisse sur des surfaces planes pour donner de la profondeur et de la structure aux objets avec les fruits empilés bizarrement ou ceux sur le point de tomber de la table.

    11.43 Nature morte avec un rideau
    11.44 Nature morte, tenture, pichet et bol à fruits

    Dans un tout nouveau médium, Henri Toulouse-Lautrec (1864-1901) a illustré la bourgeoisie française à l'aide de gravures sur bois japonaises traditionnelles. Ses contributions incluent la lithographie et l'art de l'affiche, capturant l'instant sur des pièces de carton géantes. Les images sophistiquées et parfois provocatrices reflètent des personnes passionnantes et élégantes qui s'amusent au théâtre. La Goulue (11h45), une affiche et Marcelle Lender Doing the Bolero in Chilperic (11,46), une peinture, dépeignent la vie dans les cabarets de Paris, un lieu de divertissement pour les hommes et les femmes de la classe moyenne.

    383px-Lautrec_Moulin_Rouge, _la_goulue_ (affiche) _1891.jpg
    11h45 La Goulue
    11.46 Marcelle Lender fait le boléro à Chilpéric

    Ensemble, Cézanne, Van Gogh, Gauguin et Toulouse-Lautrec formaient un groupe d'artistes qui ont complètement orienté l'art dans une nouvelle direction. Ils avaient tous des styles et des origines différents ; cependant, ils peignaient tous avec des couleurs et peignaient de l'émotion et de l'expression dans ce qu'ils regardaient.

    George Seurat (1859-1891) est connu pour son utilisation novatrice de la peinture à points, connue sous le nom de pointillisme. De près, on ne voit que des points colorés ; toutefois, les spectateurs sont surpris lorsqu'ils prennent du recul pour observer une peinture très réaliste. L'œuvre à grande échelle, Un dimanche après-midi sur l'île de La Grande Jatte (11.47), a transformé l'avenir de l'art à la fin du XIXe siècle.

    800px-A_Sunday_On_La_Grande_Jatte, _Georges_Seurat, _1884.png
    11h47 Un dimanche après-midi sur l'île de La Grande Jatte

    Peindre des personnes peut être un processus complexe, et pour avoir une similitude réelle, un artiste doit comprendre les muscles, les tendons et la structure osseuse du corps humain. Peintre historique à l'origine, Edgar Degas (1834-1917) a intégré la formation classique à un sujet moderne et s'est fait connaître comme le peintre classique de la vie moderne. Degas a commencé à étudier et à peindre des chevaux en passant de longues journées sur la piste, à dessiner l'anatomie des chevaux. Ses magnifiques peintures de chevaux modifient suffisamment la perspective du spectateur pour se demander où il se trouve lorsqu'il peint. Le recadrage rapproché dans At the Races (11.48) ajoute une perspective raccourcie, mais la peinture a un arrière-plan. Parfois, il pousse même la scène loin vers la droite, coupant les jambes du cheval ou la moitié de la charrette. Degas était un maître de la perspective, et dans les cours de ballet, la moitié de la peinture représente le sol ou les murs, les danseurs étant placés sur le côté. Il a créé une vaste série de peintures du ballet, dont Ballet Rehearsal (11.49).

    11.48 Lors des courses
    776px-Edgar_Germain_Hilaire_Degas_004.jpg
    11.49 Répétition de ballet