13.3 : Sculptures
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Sculpteur |
Pays |
Médium habituel |
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Auguste Rodin |
France |
Bronze |
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Henri Moore |
Angleterre |
Bronze, fibre de verre moulé |
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Aleksandr Calder |
États-Unis |
Métal |
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Ellen Neel |
Canada |
Bois |
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Gaston Lachaise |
États-Unis |
Bronze |
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Isamu Noguchi |
États-Unis |
Acier |
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George Segal |
États-Unis |
Bronze |
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Kathy Kollwitz |
Allemagne |
Bronze |
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Élisabeth Catlett |
États-Unis |
Bronze |
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Maya Lin |
États-Unis |
Granit |
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Louise Bourgeois |
France, États-Unis |
Multimédia |
La sculpture moderne a entraîné un changement considérable dans l'art en s'écartant des formes classiques, laissant les artistes explorer et diverger de la période de la Renaissance. De nombreux sculpteurs modernes du début du XXe siècle ont pu créer comme ils le souhaitaient et expérimenter, redéfinir la sculpture, insuffler la liberté d'utiliser des matériaux modernes et des idéologies modernes du design. La sculpture moderne est considérée comme ayant débuté avec l'œuvre du sculpteur français Auguste Rodin (1840-1917). En choisissant de renoncer aux thèmes classiques et traditionnels de l'allégorie ou de la mythologie, Rodin a façonné le corps humain avec un réalisme, une physicalité et une personnalité exceptionnels.
Le Penseur (13.23) est peut-être l'œuvre la plus célèbre de Rodin, connue dans le monde entier comme le symbole classique d'un homme profondément ancré dans ses pensées. L'œuvre est une figure masculine nue assise sur un rocher coulé en bronze d'environ 186 centimètres de haut. Le corps musclé brut est représenté avec sa tête baissée sur sa main, luttant pour comprendre la condition humaine, essayant de comprendre l'impact de la pensée et de la raison sur le monde. Vingt-huit pièces moulées en bronze de taille réelle se trouvent dans des musées du monde entier. Les Bourgeois de Calais (13.24) étaient basés sur la longue guerre entre l'Angleterre et la France, les bourgeois se rendant et s'attendant à la mort. Leurs pieds sont surdimensionnés, comme s'ils voulaient toujours être ancrés dans ce monde, leurs chapeaux retirés et des cordes suspendues à leur cou. La vie des figures en bronze illustrées dans la sculpture émotionnelle a finalement été épargnée.
Le sculpteur et artiste anglais semi-abstrait Henry Spencer Moore (1898 —1986) a créé des sculptures monumentales en bronze situées dans le monde entier, désignées comme des œuvres d'art publiques. La figure assise drapée (13.26) est une forme humaine abstraite en bronze fantaisiste représentant une femme en position allongée. Moore a été grandement influencé par la pierre Chac Mool (13,25) à Chichen Itza, dans la péninsule du Yucatán. La figurine inclinable était un thème récurrent dans de nombreuses œuvres de Moore et est devenue plus stylisée, comme le montre la version en fibre de verre Reclining Figure (13.27).
« Toute ma théorie sur l'art est la disparité qui existe entre la forme, les masses et le mouvement. » [1]
Utilisant des matériaux modernes tels que de la tôle peinte et des tiges métalliques, l'artiste américain Alexander Calder (1898 —1976), qui a d'abord suivi une formation d'ingénieur, a été à l'origine du mobile cinétique. Réagissant uniquement aux courants d'air, les mobiles étaient délicatement équilibrés ou suspendus, créant ainsi des sculptures mobiles (13,28), (13,29). L'utilisation audacieuse de la couleur par Caldor dans ses sculptures et les exigences techniques en matière d'équilibre confèrent à ses œuvres une apparence unique. Certains de ses mobiles émettaient un son, d'autres se déplaçaient sous l'effet du vent et plusieurs étaient de grandes sculptures statiques (13h30).
La première femme connue à sculpter des totems de manière professionnelle est la sculptrice Ellen Neel (1916-1966), une artiste kwakwaka'wakw de la Colombie-Britannique. Apprenant la sculpture du Nord-Ouest auprès de son grand-père maternel, elle a commencé à sculpter de petits totems pour les vendre, avec suffisamment de succès pour sculpter de plus grands poteaux. L'art des Kwakwaka'wakw ressemble à d'autres œuvres d'art du nord-ouest, mais des coupes plus profondes sont faites dans le bois du totem. La peinture est utilisée pour mettre en valeur une figure ou un motif, et l'ajout de becs et d'ailes pour les pièces sur le devant et les côtés fait saillie vers l'extérieur, donnant l'impression d'un oiseau volant.
Neel a probablement utilisé le cèdre rouge de l'Ouest pour ses totems les plus imposants, un arbre abondant et de grande taille dans le nord-ouest américain. Les cèdres jaunes étaient généralement utilisés pour des projets de moindre envergure. Des mâts totémiques étaient placés à l'extérieur de la maison et utilisés pour afficher des informations sur la famille, tandis que d'autres mâts totémiques pouvaient servir de mâts de bienvenue, de mâts commémoratifs ou de mâts de honte. Chacun des symboles, des sculptures et des peintures avait une signification particulière. Le sommet du mât présente le bec de l'aigle largement incurvé (13.31), un corbeau aurait un bec droit, le castor étant incisé avec de grandes dents de devant. Les figures gravées sur le mât (13,32) étaient entrelacées, reliées par des significations symboliques. Certains totems de Neel sont exposés dans le parc Stanley ainsi que dans des musées.
Gaston Lachaise (1882-1935) était un sculpteur américain du début de la période moderniste du XXe siècle. Formé dans sa France natale, il est tombé amoureux d'une femme, l'a suivie aux États-Unis et a utilisé cet amour avec adoration pour définir ses concepts de statue féminine. Créée en 1932 en bronze, la sculpture Standing Woman (13,33) est une femme nue voluptueuse qui est devenue sa pièce emblématique. Influencé par sa femme dans les valeurs américaines, il a redéfini le nu féminin pour en faire une figure influente et a repoussé les limites, innovant dans la définition du corps féminin. Son pied droit sort, la hanche en avant dans une position contrapposto traditionnelle, les mains sur les hanches, commandant l'espace. La figure flottante (13,34) illustre également la force de la silhouette, assise à l'aise, les jambes croisées, la main faisant des gestes comme pour prouver ses pensées.
Isamu Noguchi (1904 —1988) était un artiste nippo-américain de premier plan qui a commencé sa carrière en sculptant des bustes, puis s'est tourné vers l'art abstrait dans les années 1930 avant d'être interné volontairement au camp de Poston en 1942, poursuivant ses dessins et ses dessins pendant qu'il était dans le camp, il est retourné à New York après la guerre. Le cube rouge (13.35) est un parallélogramme tridimensionnel, pas un cube. Le cube est en acier et conçu pour collaborer à la définition horizontale et verticale des bâtiments environnants, le cube placé en diagonale ayant l'air de rouler. La Zwillingsplastik (13.36) est réalisée en deux parties, la petite partie qui semble soutenir la section la plus significative, la zone manquante étant égale à la partie la plus petite, donnant à la sculpture une sensation de flottaison.
George Segal (1924 — 2000) était un peintre et sculpteur américain associé au mouvement Pop Art. Segal est surtout connu pour ses sculptures grandeur nature moulées à partir de bandages en plâtre. Segal enveloppait un modèle dans du plâtre, enlevait les formes durcies et les remettait ensemble pour former une empreinte creuse du modèle. Utilisant à son avantage la texture rugueuse des bandages en plâtre, il coulait la forme finale en bronze.
Segal n'a pas placé ses personnages sur des socles ou au centre d'un carré, et il les a placées dans des situations réelles démontrées dans Depression Bread Line (13.37). Les vêtements et la posture des hommes témoignent de leur situation difficile lorsqu'ils font la queue pour obtenir du pain. Il a coulé les statues de bronze dans du plâtre pour donner un aspect usé aux vêtements des hommes, accentuant ainsi l'apparence de misère. Le Mémorial de l'Holocauste (13h38) à San Francisco, les cadavres éparpillés sur le sol, le seul survivant émacié debout devant la clôture. Segal a créé la sculpture en bronze patiné en blanc, ajoutant ainsi à l'impact de la scène.
Les sculptures modernes démontrent notre besoin de comprendre le monde, en particulier dans un monde moderne complexe et en constante évolution, et Käthe Kollwitz (1867 - 1945), une artiste allemande, a créé un ensemble d'œuvres dépeignant des récits éloquents mais complexes de la vie humaine, en particulier sur la tragédie de la guerre. À l'aide de nombreux médiums, dont l'eau-forte, la gravure sur bois, le dessin, la peinture et la sculpture, elle a reproduit les émotions de la guerre.
La mort du fils de Kollwitz l'a amenée à créer le mémorial Mother with Her Dead Son (13,39) pour lui. Comme la Pieta, Kollwitz a placé son fils allongé entre ses genoux pendant qu'elle berçait son corps. Son visage reflète sa douleur, la perte de son fils pendant la guerre. La statue est placée au centre d'une grande pièce (13h40), créant un sentiment d'isolement qui n'a fait qu'accentuer les émotions de souffrance et de tristesse. Le mémorial en bronze rend hommage à toutes les victimes de la guerre et de la tyrannie.
Elizabeth Catlett (1915-2012) était une artiste américaine qui a su dès son plus jeune âge qu'elle voulait devenir artiste en fréquentant l'université Howard. Elle a également vécu au Mexique et a été influencée par l'art de Rivera et Kahlo et a créé des estampes et des sculptures abstraites centrées sur les expériences de femmes issues de minorités qui travaillaient dur dans des emplois difficiles et mal rémunérés. Ses sculptures ont été transformées en bustes et en figures debout, dont celles de Mahalia Jackson (13,41) et Stepping Out (13,42), la femme prête à sortir pour la soirée.
Maya Lin (née en 1959) était étudiante universitaire en architecture lorsqu'elle a soumis son projet pour un concours national pour les concepts d'un nouveau mémorial dédié aux anciens combattants du Vietnam. Son design était très inhabituel et ne correspondait pas à la tradition générale des hommages commémoratifs. Elle a proposé de construire un mur de granit en forme de V, sur lequel seraient inscrits les noms de tous les soldats tués ou toujours portés disparus. Le mur était incliné sous le niveau du sol (13,43) vu du ciel, la longue passerelle longeant le mur très poli (13,44). Le nouveau mur controversé est devenu un hommage reconnu et essentiel aux anciens combattants de cette guerre controversée, auquel de nombreuses personnes ont assisté pour rendre visite à un soldat décédé (13h45), déposer des fleurs ou accrocher des drapeaux. Le mur conçu par Lin est devenu un modèle pour des monuments commémoratifs et des sculptures nouveaux et insolites. Le Civil Rights Memorial (13.46) en Alabama a également été conçu par Lin en utilisant du granit foncé et profond et en inscrivant les hommages sur les côtés.
Louise Bourgeois (1911-2010) est née à Paris et a appris le dessin en participant à l'entreprise de tapisserie de ses parents. Quand elle s'est mariée et a déménagé à New York, elle s'est d'abord concentrée sur la peinture et les gravures avant de travailler avec des sculptures. L'un de ses thèmes les plus importants pour ses sculptures était l'araignée (13,47). Elle a sculpté des araignées de différentes tailles, d'immenses images extérieures à de petites statues intimes, le tout en utilisant des matériaux différents. Elle considérait que les araignées étaient féroces mais fragiles dans leur conception, et cette fragilité se reflète dans les pattes irrégulières et fines des sculptures d'araignées, qui se tiennent maladroitement en position.
